Umberto D la resilencia de un hombre que lo perdio todo

En los años de la posguerra había dos Italias: Una Italia llena de cultura, avances, moda y lujos; y la Italia que estaba cargando con las consecuencias de la posguerra. La cara que se le daba al resto del mundo era una Italia feliz que superaba la consecuencias de la guerra con la frente en alto y buena cara, el resto del país sufría de crisis, desempleo, despojo y olvido.

Fue en este contexto y con una industria cinematográfica fragmentada por la guerra que un grupo de directores y críticos decidieron reinventar el cine como se había hecho antes. Con la recién libertad de la que disponían y mucha conciencia social, dejaron de lado los sets, las grandes producciones y los actores de renombre, para empezar a grabar historias comunes, en locaciones reales y con gente de la calle, historias que retrataban la vida de los italianos comunes de aquellos quienes realmente lidiaron con las consecuencias de la guerra.

Películas como:

Sciuscià 1946

Roma citty aperta 1945

I ladri di biciclette 1948

Narran las historias de estas personas y su día a día.

Umberto D nos cuenta la historia de un extrabajador administrativo que sufre los desaires y abusos constantes a su dignidad, por parte de su casera, quien amenaza con dejarlo en la calle si no le paga. Umberto pasa por multiples peripecias intentando conseguir el dinero antes de quedarse en la calle, todo esto mientras la idea de quitarse la vida le ronda en la cabeza.

La película a nivel visual es sencilla pero eficaz no ocupa metáforas ni formas llamativas, sino todo lo contrario, busca retratar escenarios comunes, para contar la historia de un tipo común que solo ha tenido mala suerte, la historia es simple pero poderosa, el tratamiento de los personajes es fenomenal para crear una atmosfera real y convincente, todos fueron de una u otra forma significativos en el filme.

Desde quienes con indiferencia lo ignoraban, hasta quienes le robaban con una sonrisa en la cara, la mayoría de personajes muestran la falta de empatía y solidaridad hacia un hombre honorable y amable que parecía demasiado ingenuo para ese mundo y es que solo un puñado de personas son las que le muestran algo de amabilidad y calidez cada uno de diferente manera; la trabajadora del hogar, su amigo en el hospital de la beneficencia y su inseparable compañero flike.

En lo personal me parece muy interesante se muestra como es envejecer, ser cada vez más olvidado, perder la capacidad de trabajar y ser tratado como un estorbo, me parece que da un mensaje muy importante a los espectadores sobre empatía. ya que no solo nos hacen tomarle afecto al señor, sino a su perrito, un animal noble y fiel que acompaña a nuestro protagonista de forma honorable, y sin embargo toma su propia decisión a la hora de escapar de su dueño cuando este quería suicidarse con él. Creo que ahí el perro muestra mucha humanidad, no solo por mostrar autonomía ante su dueño, sino por darle una lección de forma indirecta y después perdonarlo para empezar a jugar con él.

Creo que otro elemento que nos ayuda a empatizar con el es el tiempos en sí, sin cortes apresurados y con casi nulas elipsis dentro de las escenas vemos como el tiempo le da entero protagonismo a Umberto haciendo la situación no solo más cotidiana sino íntima y real, autentica; cosa que es un acierto enorme dentro de la película.

Umberto sin embargo nos muestra que no solo se puede envejecer con dignidad, sino afrontar cualquier situación difícil con ella, que a pesar de todo nuestro carácter y actitud ante las situaciones de la vida son lo que nos define y que el honor no se compra, al menos yo me quedo con eso. 

Umberto D

El Neorrealismo italiano tuvo origen en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, en aquel entonces Italia enfrentaba una crisis económica y social. Este movimiento se caracterizó por rodajes en escenarios reales, uso de actores no profesionales y narrativas centradas en la vida de las clases populares, mostrando la precariedad y la lucha diaria de la gente común. Directores como Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio De Sica, junto con el guionista Cesare Zavattini, fueron sus principales exponentes. El Neorrealismo se convirtió en una respuesta estética y ética frente al cine de estudio y a las ficciones idealizadas de Hollywood, buscando un cine comprometido con la realidad social.

Fuente: 【 Neorrealismo Italiano 】 Características, Historia y Películas

La trama de Umberto D. sigue a Umberto Domenico Ferrari, un funcionario público, ya jubilado, que vive de una pensión insuficiente. No tiene familia, y su único apoyo es María, la criada del edificio en el que vive y donde está a punto de ser desalojado por la casera. María y su perro, Flike, son sus únicos vínculos afectivos, símbolos de compañía y esperanza. A lo largo de la película vemos cómo Umberto lucha por mantener su dignidad, o tal vez su orgullo, en medio de la pobreza y la indiferencia social.

¿Es su dignidad lo que protege Umberto? ¿O es sólo su orgullo el que le impide pedir ayuda?
A las personas a su alrededor no parece preocuparles su evidente situación de pobreza (salvo a María, pero con sus propios problemas no hay mucho que ella pueda hacer para ayudar), y pareciera que no es solamente la sociedad indiferente la que lo olvida, sino él mismo quien, una vez “agotadas” sus opciones, renuncia a buscar una salida.

La puesta en escena es fundamental para entender el filme: De Sica utiliza espacios cotidianos, calles y habitaciones modestas, él único edificio que resalta por su arquitectura es en el que Umberto trabajó, y no sé si es porque la película no tiene color, pero me pareció que incluso ese lugar se veía un poco descuidado.

La cámara se detiene en gestos pequeños, pero que resaltan los sentimientos de los personajes, como la mirada cansada de Umberto, el silencio resignado de María, la ternura hacia el perro, elementos como estos nos transmiten crudeza, la dureza de la vida, todo sin la necesidad de diálogos complejos ni grandes discursos. La película se inscribe en las premisas del Neorrealismo porque rechaza el espectáculo y apuesta por la verdad emocional, mostrando que la pobreza y la soledad no son solo actuaciones, sino experiencias reales y, para el contexto histórico en el que fue realizada la obra, cotidianas.

En Flike podemos ver la última esperanza a la que se aferra Umberto, y su relación nos enseña que, en la soledad más dura, el más mínimo gesto de afecto puede ser un refugio de toda la indiferencia que nos rodea.

Dentro del Neorrealismo encontramos otras películas emblemáticas como Roma, città aperta (1945) de Rossellini, La terra trema (1948) de Visconti y Ladri di biciclette (1948) también de De Sica. Todas ellas comparten la intención de retratar la lucha cotidiana de las clases trabajadoras y los marginados, alejándose de los finales ficticios y felices para mostrar la realidad social.

El tema de la vejez que se toca en Umberto D. no solo me parece conmovedor, o triste, sino realista. Se nos platea cómo la sociedad suele relegar a los ancianos, tratándolos como una carga, olvidando todo lo que en algún momento le aportaron, e inclusive negándoles su humanidad. El desamparo que viven tantísimos adultos mayores, sin embargo, no es lo único que podemos interpretar con esta obra, porque al fin y al cabo todos en algún momento llegaremos a cierta edad donde se nos dificulte el ser autosuficientes, es entonces donde la película nos da un mensaje quizás incómodo, pero cierto, que la juventud (bien representada en María, que aún con tantos problemas no se preocupa demasiado) no es eterna y que en un mundo abusivo, la dignidad que nos aguarde en la vejez no depende demasiado de cómo construyamos nuestras vidas hoy.

Nos obliga a reflexionar nuestras propias acciones, y entonces, tal vez, intentaremos ser más amables y considerados con nuestros adultos mayores.

  

UMBERTO D y los problemas comunes

Para entender esta obra, tenemos que hablar del Neorealismo italiano, este movimiento surgió a raíz que muchas producciones de la época, era con el fien de propugna al movimiento fascista o que eran comedias dirigidas a la clase alta, esto porque Mussolini, creía que estas clases representaba mejor a la sociedad italiana, sin embargo la sociedad italiana que no disfrutaba de esos lujos no se quedo de brazos cruzados

asi, junto con profesores y estudiantes, decidieron contar historias donde se mostraba a una clase marjinada con problemas reales y asi es como nació el Neorealismo italiano

este movimiento buscaba mostrar otro lado de italia, una italianizante que sufrían después de la Segunda Guerra Mundial, contar historias donde se veía a personas comunes con problemas comunes, con este movimiento salieron historias que hacían honor a este concepto tales como:

-Roma, Ciudad abierta (1945)

-Shoeshine (1946)

-La calle (1954)

-Milagro en Milan (1951)

-Stromboli (1950)

y la película que termino por redefinir este movimiento, Ladron de bicicletas (1948)

sin embargo, en esta ocasión vamos a voltear a ver una obra tampoco se queda atrás a la hora de explicar porque el Neo realismo italiano es lo que es y esa es Umberto D. (1952)

en esta cinta, seguimos a un hombre mayor jubilado que solo tiene como compañía a un perro, ambos buscan sobrevivir en una italia marjinada mientras luchan para salir de la pobreza que los persigue (ó por lo menos poder pagara el alquiler)

 

Como toda cinta de este movimiento, se aleja por completo del Fascismo y desde luego se niega a ser una película de teléfono blanco (llamadas asi porque en casi todas salta este elemento), comedias dirigidas a la clase acomodada de esa época, Umberto D. se aleja por completo de eso y decide contar una historia cruda, donde vemos una persona común y corriente sufriendo la pobreza, tomando desiciones arriesgadas, e incluso pensando en quitarse la vida junto con su acompañante para no sufrir mas

vemos la crudeza que sufría Italia en esos momentos y hasta donde pudo llegar y eso es lo mágico, no solo en el cine, sino en este movimiento, mostraba escenarios reales, crudos, sin ningún modificación, casi también siendo un documental, por los escenarios que podrías encontrar en esos tiempos, la puesta en escena era, sigue siendo y seguirá siendo increíble para la época, como no tenia miedo a mostrar como sufrían la italia de verdad, la que no salía en las comedias de teléfono blanco

hay 2 escenas en las que me gustaría centrarme y que ya mencione una por encima, pero antes de llegar a esa

la escena donde Umberto, recupera a su perro, Flike, es una escena tan poderosa por lo que Flike significa para Umberto, como ya había mencionado, Flike es un hombre solitaria que no cuenta con nada ni con nadie, si, estaba Maria, pero ella esta atada no solo por el embarazo, sino que también por su jefa, asi que, su único acompañante, quien realmente jamas lo iba a abandonar, era Flike.

asi que con ese contexto, cuando Umberto recuperó a Flike, esta recuperando lo único que le daba sentido a su vida, lo único que lo hacia levantarse y seguir luchando contra la pobreza

Y eso me lleva a la segunda escena, la escena del tren, como, por la desesperación, decide ponerse en frente de las vías del tren, y esperar que tren pase acabando con vida, llevandose al Flike con el

aqui debo decir que me hizo odiar un poco a Umberto por decisión de elegir  por Flike, pero de nuevo, estamos a hablando de alguien que no tiene nada, que no le queda nada y en parte lo hace para que no sufra Flike mas y es dolorosa por eso y, por como dije antes, no dudo que alguien de la vida real, también hizo eso, con la diferencia que no se quito del camino del tren

Como cinta del Neorealismo italiano que veo, es bastante atractiva por todo lo que mencione y sin duda una cinta poderosa y cruda que mostraba problemas comunes y reales en una italia destruida, acompañado de actores que no son, escenarios reales y crudos y un impacto en el cine que sigue hasta el dia de hoy

Análisis: Amir Fernando Cigarroa Osorio

Información del Neorealismo Italiano: EL NEOREALISMO ITALIANO | HISTORIA DEL CINE

Película Umberto D

 

Fue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante el fin de la segunda Guerra Mundial, el neorrealismo italiano tiene como característica principal basar sus películas en historias realistas donde sus actores no son profesionales pertenecientes a la clase trabajadora, Asimismo, utiliza un estilo simple, con escasa música y luz natural, e incorpora una marcada crítica hacia la sociedad. En conjunto, pretende provocar una reflexión profunda en quien la observa, más que centrarse únicamente en entretener o distraer al público enn general. Uno de los puntos principales a mostrar era la pobreza y la precariedad estaban más que presentes, siendo Roberto Rosellini, Luchino Visconti, Vitorio de Sica, Giuseppe de Santis, y el guionista Cesare Zavattini sus principales exponentes. De acuerdo con la página “HistoriaDelCine.es” Se realizaba un cine con un fuerte enfoque patriótico que, en muchas ocasiones, carecía de originalidad; estas producciones solían exaltar el pasado glorioso del Imperio romano o presentar historias contemporáneas alineadas con la causa fascista

La película trata sobre un señor mayor que ya está juubilado y vive con muchos problemas económicos en la Italia de la posguerra. A lo largo de la historia se ve cómo le cuesta trabajo sobrevivir con el dinero que tiene, además de que corre el riesgo de perder su cuarto donde vive. También se muestra lo solo que está, ya que casi no tiene a nadie, y su única compañía es su perro. En general, la trama refleja cómo la pobreza y la falta de apoyo afectan su vida y su estado emocional. También presenta la indiferencia de la sociedad hacia las personas mayores y cómo el protagonista intenta distintas formas de salir adelante sin perder su dignidad. En general, la trama refleja cómo la pobreza, la soledad y la falta de apoyo afectan su vida y su estado emocional

Considero que la puesta en escena refleja características del Neorrealismo italiano. A través del uso de locaciones reales, se logra mostrar una Italia de posguerra más auténtica y cercana a la realidad social. Además, la iluminación es natural y las actuaciones son sencillas, lo que permite que los personajes se sientan más humanos y sensibles a lo que representan. El protagonista no es un héroe, sino una persona común que enfrenta problemas cotidianos como la pobreza y la soledad. Todo esto contribuye a que la película transmita una visión crítica de la sociedad de la época. En conjunto, estos elementos hacen que la obra represente de manera clara las ideas fílmicas de esta corriente y su intención de mostrar la realidad sin idealizarla

Se considera que hay entre 20 y 40 películas principales que realmente representan el movimiento, entre ellas:

1.          Roma, ciudad abierta – Roberto Rossellini
2.          Paisà – Roberto Rossellini
3.          Alemania, año cero – Roberto Rossellini
4.          Ladrón de bicicletas – Vittorio De Sica
5.          Umberto D. – Vittorio De Sica
6.          Milagro en Milán – Vittorio De Sica
7.          Sciuscià – Vittorio De Sica
8.          La tierra tiembla – Luchino Visconti

Desde mi perspectiva como adulto chiquito la película me generó un sentimiento profundo de pena al mostrar la realidad de algunos adultos mayores  o personas en general que viven en el abandono y soledad emocional. A lo largo de la historia, se observa cómo Humberto enfrenta la soledad, la falta de apoyo y la indiferencia social, lo cual me resultaa triste y un sentimiento de incomodidad. Esto me hace reflexionar sobre cómo, en muchos casos, las personas mayores son olvidadas, a pesar de lo que haya pasado en su vida, entiendo que mucha de esas veces viene de un problema familiiar y demás, pero me parece bastante deprimente pensar y saber del tema. La película no solo cuenta una historia, sino que también evidencia una problemática social que sigue presente, lo que provoca “empatía” y una sensación de injusticia

Algo que me llamó bastante la atención es la relación tan estrecha que tenía con su perrito, (muy independiente de que fuera su única compañía) porque he visto en muchas ocasiones y con personas de mi círculo familiar y social que tienen un apego impresionante con sus mascotas y ciertamente no lo entiendo del todo, porque yo jamás he tenido una  mascota y por ende no sé lo que es ese sentimiento, me cuesta entender como se puede llegar a tener un vínculo indescriptible con un animalito que está día a día.

 

 

 

Umberto D.

 El Neorrealismo italiano surge como un movimiento cinematográfico en la posguerra, los directores querían retratar la vida cotidiana de ese entonces la pobreza, devastación y preocupación.

Algunos autores reconocidos del neorrealismo italiano son:

·       Roberto Rossellini: Roma, ciudad abierta (1945)

·       Luchino Visconti: La tierra tiembla (1947)

·       Vittorio De Sica: Ladrón de bicicletas (1948)

En la película “Umberto D.” se muestra la vida cotidiana de un señor de la tercera edad, jubilado y de clase media que vive su día a día con una pensión que no le rinde ni siquiera para comer, en la película se retrata su diario vivir y las dificultades que este tiene que presenciar, buscando maneras de poder continuar y poder pagar sus gastos a como dé lugar. Su única compañía es la sirvienta y su mascota flike este último acompañándolo a cada momento, en varias escenas se muestra la incapacidad de poder comunicarse con su alrededor, en la película se muestra y también a su casera quien desde el comienzo de la película amenaza con correrlo, siendo un motivo de preocupación para Humberto pues, aunque trata de conseguir el dinero, este no es suficiente para la casera. Todos estos puntos son características del neorrealismo italiano, ya que nos muestra la vida real con los diferentes encuadres de la vida de Umberto.

Características como estas: hacer todo en el exterior con escenarios reales, actores no profesionales mezclados con algunos profesionales, historias cotidianas de gente común ubicada entre la clase media y baja, teniendo un tono crítico y humanista frente a la situación política y económica que se atravesaba en ese momento, revelando las injusticias y desigualdades que la sociedad vivía, cosas que en ese momento el cine italiano no mostraba. Planos de secuencia largos y escenas crudas, ausencia de finales felices o simplemente dejar a la expectativa de un futuro incierto

Todos los elementos visuales que se ocuparon en la película nos ayudaron a identificar la situación en la que se encontraba el personaje principal, la atmosfera y los diferentes planos

En esta película, los objetos tienen una carga dramática superior a los diálogos. La puesta en escena se apoya en lo que los críticos llaman "la elocuencia de las cosas".

El vaso de agua y las hormigas: La famosa escena de las hormigas en la pared de la cocina no es gratuita. Representa la descomposición, el descuido y la invasión de la miseria en el espacio privado.

La maleta y los libros: Cuando vemos a Umberto empacando sus pocas pertenencias, la forma en que los toca nos habla de su pasado como intelectual y funcionario. La puesta en escena utiliza el minimalismo material para mostrar cómo el protagonista se va despojando de su identidad hasta quedarse solo con su perro.

Desde mi perspectiva, ver a Umberto D. genera un sentimiento emocional necesario. En una era donde estamos obsesionados con la productividad, el éxito rápido y la proyección de una vida perfecta en redes sociales, la película sobre la vejez resulta una bofetada de realidad. La cinta plantea que la vejez, en un sistema que solo valora al individuo por su capacidad de consumo o producción, es tratada como un estorbo. Umberto no es un héroe, es un hombre con dignidad que simplemente se ha vuelto "invisible". Como joven, es fácil ver la vejez como algo lejano o ajeno, pero la película me obliga a reconocer que la estructura social que hoy habitamos es la misma que mañana podría marginarnos

Me detengo a mirar a los ancianos que cruzan la calle o que se sientan solos en un parque, y trato de imaginar sus "tiempos muertos", sus luchas invisibles contra la burocracia o el olvido. Así como De Sica utiliza la relación de Umberto con su perro para humanizar al protagonista y mostrarnos su vulnerabilidad, yo utilizo la comparación entre nuestra cultura actual de la inmediatez y la lentitud forzada de la vejez para evidenciar la desconexión generacional.

Algunas reconocidas películas del neorrealismo italiano:

Roma, ciudad abierta (1945): Esta película de Rossellini es una representación conmovedora de la resistencia italiana durante la ocupación nazi.

Ladrón de bicicletas (1948): De Sica narra la historia de un hombre que, tras perder su bicicleta, se enfrenta a la desesperación en un mundo difícil.

La Terra Trema (1948): La película de Visconti es un retrato poderoso de la vida de los pescadores en Sicilia, mostrando sus luchas y su dignidad.

Neorrealismo italiano y Nueva Ola Francesa: Evolución del Cine Moderno - Tus Deberes

BRIGETTE JARQUIN MIER

El Neorrealismo Italiano: Analizando "Umberto D"

En 1936, a vísperas de la segunda guerra mundial, el gobierno al mando de Mussolini decidió ponerle atención al cine, utilizando este recurso con fines propagandísticos, además, de hacer films que representaban una sociedad italiana llena de lujos y vidas cómodas.

Pero esto no era más que una mentira, por esa razón, profesores y estudiantes del centro experimental decidieron crear películas que reflejaran la verdadera vida de los ciudadanos italianos.

En "Umberto D", vemos un ejemplo de las dificultades que se vivían en esa época.

El film se desarrolla poco tiempo después de la segunda guerra mundial. El protagonista "Umberto Dominico Ferrari" es un adulto mayor, ex empleado del gobierno y que no cuenta con familia, que lleva tiempo recibiendo una pensión miserable que no le permite tener una vida digna. A pesar de las numerables protestas que llevan haciendo algunos ciudadanos para exigir pensiones dignas, el gobierno no utiliza más que la fuerza para someterlos. Esta situación obliga a Umberto a intentar hacer casi cualquier cosa para sobrevivir junto a su perro "Flyk", su único compañero.

La cinta nos hace vivir en la carne del señor Umberto las problemáticas de la era: Un gobierno totalitarista que ignora los derechos de su pueblo, pobreza extrema, ciudadanía con condiciones muy desiguales. 

La cinta es tan cruda y triste que es inevitable sentir el dolor del protagonista: un hombre mayor, con un buen corazón, que no tiene como compañía a nadie más que su mascota. Su situación es tan carente que, le hace creer que la muerte es una opción más favorable. 

Considero que la vejes debe ser una temporada donde la vida del ser humano sea más relajada. Después de dedicar nuestros años fuertes al trabajo, merecemos una cotidianidad cómoda y acompañada de nuestros seres queridos. Pero este film, nos da un ejemplo de cuando la vida no es justa.

Otros títulos que nos dan buenos ejemplos de esto último son:

• "Ossesione": 1943
• "Roma; Ciudad abierta"; 1945
• "La terra trema": 1948
• "Alemania año cero": 1948
• "Roco y sus hermanos": 1960

Fuente de información del Neorrealismo Italiano: ZEPfilms

Analisis de Umberto D.

Flick y Don Umberto.

Vittorio De Sica fue una figura colosal del cine mundial, considerado uno de los padres y máximos exponentes del neorrealismo italiano. Su obra; Umberto D. (1952),  es quizá el retrato más desgarrador sobre la soledad humana.

La película narra la historia de Umberto Domenico Ferrari, un funcionario jubilado que intenta sobrevivir en la Roma de la posguerra con una pensión miserable que no le alcanza  siquiera para cubrir sus necesidades básicas. Hundido en la pobreza y enfrentando el desahucio por parte de una casera inflexible, don Umberto experimenta la indiferencia de una sociedad que parece haber olvidado el respeto por sus ancianos.

Sus únicos apoyos emocionales son la joven y bondadosa criada de la pensión y, sobre todo, su fiel perro Flick, quien se convierte en el último refugio de humanidad para un hombre que ha sido despojado de todo. Al observar la relación de Don Umberto y Flick, no puedo ver solo a un hombre junto a su mascota, pues para el no solo es eso, sino un espejo de su propia dignidad pues  es el único que no lo juzga por su pensión miserable ni por su ropa gastada, sino que le otorga el rol de protector y compañero, obligándolo a mantenerse en pie cuando la tentación de rendirse es absoluta.

Reflexión

Don Umberto no puede permitirse morir porque no podría garantizar el bienestar de Flick, quien actúa como un ancla a la vida, su presencia impide que se desvanezca. Para alguien que ha sido funcionario público y ha vivido bajo un código de orden y respeto, la custodia de Flick representa el último deber que le queda en un mundo que ya no le exige nada porque ya no lo considera útil, debido a ello, que Flick pase hambre o sufra es la prueba definitiva de su propio fracaso como hombre.

En la escena donde don Umberto finge estar enfermo para ir al hospital y tener comida y techo, podemos ver que su mayor angustia no es su salud, sino el destino de su perro. 

Cuando se da cuenta que ya no tendrá un techo bajo el que dormir, lejos de pensar en utilizar el poco dinero que le queda para comprar comida o vender sus cosas para conseguir más efectivo, trata de usarlo para pagar un refugio donde traten bien a Flick, pero al darse cuenta de que nadie lo protegería con la misma seriedad que él lo hace cambia su opinión, pues no buscaba únicamente le dieran cuidados, si no que lo quisieran.

Después de esta escena lo vemos tomar una de las decisiones mas importantes a lo largo de la película y también de las mas egoístas; decidir por la vida de otro. Al no poder hacer que Flick se aleje de el, lo toma en brazos y se dirige a las vías del tren, Flick, con ese instinto animal que detecta la muerte,  huye y en ese momento, el perro deja de ser algo de su propiedad para revelarse como un sujeto con voluntad propia que teme a su mismo dueño.

En lo personal, considero que este es el momento mas doloroso de la trama, ya que no solo vemos a don Umberto dándose por vencido en la vida, también lo vemos traicionando la confianza del único que siempre había estado a su lado sin importar nada (voy a llorar). Dentro de la inocencia de Flick, algo se rompe ya que la confianza no vuelve de inmediato y quizás, la determinación de don Umberto por recuperar la confianza de Flick es lo que lo rescata de la muerte.

Opinión

Nunca había tenido la oportunidad de ver esta película y ninguna otra de esta corriente cinematográfica, sin embargo considero que a pesar de no contar con tramas extravagantes o ficticias, el mensaje que nos deja es muy significativo, pues es una persona real viviendo una situación real.

Considero que no es de las películas que retratan el bien y el mal en una lucha interminable y que el final feliz llega al vencer al villano, pues no hay villano que vencer, y si lo hubiera, en este caso seria el sistema injusto, o la casera que poco tolerante, sin embargo no hay maldad de por medio, solo actos puramente humanos.

Me causó mucha tristeza reflexionar que a pesar del tiempo transcurrido desde la película a hoy en día, el panorama para los adultos mayores no ha cambiado mucho, pues son pocos los establecimientos que aceptan trabajadores de la tercera edad, pero la situación es aun peor para todos los que a edad avanzada ya no pueden siquiera valerse por si mismos, ni cuentan con alguien que vea por ellos.

 

Umberto D y los tiempos de la pobreza

 La película Umberto D, dirigida por Vittorio De Sica, se ubica dentro del contexto del Neorrealismo italiano que es un movimiento cinematográfico que surgió después de la Segunda Guerra Mundial en Italia en donde este tipo de cine se caracteriza por mostrar la vida cotidiana de personas comunes, especialmente aquellas que enfrentan condiciones de pobreza, desempleo y dificultades sociales. Según fuentes como Historiadelcine.es, el Neorrealismo se distingue por el uso de actores no profesionales, locaciones reales y una narrativa sencilla que busca reflejar la realidad sin idealizarla y este enfoque permitió mostrar una Italia devastada por la guerra, donde la crisis económica afectaba profundamente a la población.

La historia sigue a Umberto, un señor mayor que tiene problemas económicos porque su pensión que no le alcanza para vivir bien. A lo largo de la película vemos cómo intenta sobrevivir con dignidad, acompañado por su perro, que es prácticamente su única compañía, también aparece una joven sirvienta que aunque también tiene sus propios problemas, muestra empatía hacia él. La trama no se centra en algo grande o dramático, sino en situaciones cotidianas que reflejan la soledad, la preocupación y lo difícil que puede ser envejecer cuando no tienes apoyo ya que en la sociedad luego se da entender que la vejez es sinónimo de ya no ser productivos.

La puesta en escena de la película refuerza completamente las características del Neorrealismo. El uso de espacios reales, como calles y habitaciones sencillas, contribuye a crear una sensación de autenticidad. Asimismo, el ritmo lento y los silencios permiten que el espectador observe con detenimiento las emociones del personaje, sin necesidad de recurrir a un dramatismo exagerado. La cámara, en muchas ocasiones, se mantiene a cierta distancia, mostrando tanto al personaje como su entorno, lo que enfatiza su soledad y este tipo de recursos fílmicos permiten que la historia se perciba como una representación cercana a la realidad, en lugar de una ficción idealizada y  dentro de este mismo movimiento también existen otras películas importantes como Ladrones de bicicletas , Roma, Ciudad abierta de Roberto Rossellini y La terra trema de Luchino Visconti , que, aunque no ha tenido la oportunidad de ver, se mencionan como referentes del Neorrealismo italiano por su enfoque en la realidad social de la época.

Desde mi punto de vista como joven, la película me hizo pensar mucho en cómo se trata a las personas mayores ya que muchas veces parece que cuando ya no pueden trabajar o producir, la sociedad las deja de lado por que los consideran “inservibles”, Umberto no sólo enfrenta problemas de dinero, sino también mucha soledad, y eso es algo que me llamó mucha la atención. Siento que la película muestra que la pobreza no solo es no tener dinero, sino también sentirse solo y sin apoyo. Creo que este tema sigue siendo muy actual, porque todavía hay muchas personas mayores que viven situaciones similares y en mi punto de vista creo que la película invita a cuestionar cómo tratamos a este sector de la población y qué tan preparados estamos como sociedad para ofrecerles una vida digna.

En lo personal, la película me pareció muy real y humana, porque no necesita exagerar para transmitir emociones. Todo lo que le pasa a Umberto se siente cercano por que es algo que pasa en la vida real, hubo momentos que me hicieron sentir mucha tristeza, incluso llegué a llorar, porque su situación es muy dura, sobre todo al ver lo solo que se encontrabay lo mucho que sufre en silencio, por que a pesar que no lo dijera verbalmente, se le nota, el hecho de como busca la forma de conseguir dinero vendiendo sus cosas con tal de poder sobrevivir, otra es la relación con su perro que también me conmovió mucho, porque se nota que es lo único que le da compañía y cariño en medio de todo lo que está viviendo.

Creo que una de las cosas que más me impactó es que la película no busca hacerte sentir lástima de forma forzada, sino que simplemente muestra la realidad tal como es, y eso la hace másreal. También me hizo reflexionar sobre cómo muchas veces no pensamos en las personas mayores y en todo lo que pueden estar pasando. Como persona joven, siento que esta película deja un mensaje importante sobre la empatía y la importancia de no ignorar a quienes están en situaciones vulnerables.

En general, considero que es una película que aunque es sencilla en su forma, tiene un mensaje muy profundo que sigue siendo relevante hoy en día, me hizo pensar en cosas que normalmente no reflexiono y creo que ese es uno de los mayores logros del cine que es el hacerte sentir y cuestionarte al mismo tiempo.

Humberto D o de cómo la pobreza puede alcanzar a todos

La segunda II Guerra Mundial, sacudió especialmente ha la industria cinematográfica en muchas naciones, sobre todo europeas, pues en términos financieron, obligó a los países a descuidar al cine para poder solventar económicamente ese conflicto bélico. Quienes se habían distinguido como precursores de este arte, como Francias, Alemania, Inglaterra y, en menor medida, Italia fueron algunos de los países que mayormente sufrieron aquella crisis. No obstante, aun y a pesar de las dificultades, la creatividad de realizadores, permitió en el país de la pizza generar uno de los movimientos cinematográficos que sacudieron los cimientos del convencionalismo fílmico. Nos referimos al Neorrealimos italiano.

Este movimiento que se sitúa históricamente desde mediados de la década de los 50 hasta bien avanzados  los 50, se caracterizó por enfocar sus historias en la pobreza y los pesares que trajo como consecuencia aquella guerra mundial. En este cine la vida cotidiana es recreada con toda su crudeza, de allí que el tratamiento de los personajes protagónicos, preferentemente gente que no era profesional de la interpretación, son quienes contribuyen a dar luz a un puñado de películas entrañables que, incluso hoy, algunos de sus temas siguiente teniendo vigencia.

Si Roma ciudad abierta (Roseelini, 1945)  dio inicio a este movimiento, vendrían algunas otras cintas como: Ladrón de bicletas (De Sica, 1948), Paisá (Rossellini, 1946), La tierra tiembla (Visconti, 1948) y Humberto D (De Sica, 1952), en las que el espectador puede asomarse a una Italia devastada, desmorilizada y con muy poco fuguro, ante el derrumbe de su economía y la destrucción de una nación que terminó por perder la guerra.

Es justo Humberto D, una de aquellas películas donde un viejo burócrata tiene que aprender a sobrevivir con dignidad junto a un fiel perro y la atención de una joven sirvienta que trabaja para la señora dueña de la casa en la que viven. Juntos, van entretejiendo una relación fraterna y solidaria en medio de la candidez juvenil y la falta de esperanza de quien ha alcanzado la vejez y no es retribuido oportunamente con lo que por derecho le corresponde: su pensión.

A partir de tu esperiencia, te propongo que analices la película siguiente los siguientes criterios:

1. Haz un apunte sobre el Neorrealimos italiano y acredita la fuente que tomas para realizar este apunte.
2. Cuenta en tus paalbras y brevemente la sinópsis de la trama.
3. Reflexiona sobre la puesta en escena para que analices las premisas fílmicas que definen a la cintga en el contexto del Neorrealismo italiano.
4. Refiere algunas otras películas que se ubiquen dentro de este movimiento.
5. Asume una postura persona desde tu condición de joven para opinar sobre el subtexto que al respecto de la vejez plantea la película.
6. Para ilustrar tu comentario observar de qué me valgo para proceder de la misma manera.
7. La extensión mínima deberá ser de 700 palabras.
8. La estructura no debe presentarse en apartados relacionados con estos criterios. Debe se un texto linea y orgánico

g) La extensión mínima deberá ser de 700 palabras.

"Elephant, miradas cotidianas" por Celine Ramón

El 24 de Marzo del 2026, el municipio Lázaro Cardenas, Michoacán, fue testigo de un tiroteo escolar. Dos mujeres, maestras del plantel de estudios, con alrededor de treinta años, fueron el saldo de occisos en el acontecimiento.

Este joven de 15 años es el ejemplo de la importancia que se le tiene que dar la salud mental en todos sus ámbitos, desde escolar a familiar. Subiendo fotos y vídeos con la presunta arma homicida era como avisaba a su exterior sus futuros planes.Como sociedad, deberíamos dejar de preguntarnos ¿qué hizo?, ¿por qué pasó?, y cambiar a la prevención.

Hoy, todos, principalmente el círculo cercano al agresor, les debemos a las víctimas y al implicado en sí, una oportunidad de vida. Porque todos pudimos detectar ese problema, mas decidimos ignorar.

 

El cortometraje escocés, también llamado elephant, hecho en 1989, es de donde proviene la narrativa y el nombre, los cuales toma prestados Gus Van Sant para establecer la historia de esta masacre.  Al igual que su predecesora, esta película se apropia del tiempo fílmico usando tomas largas, sin cortes innecesarios, siendo la más duradera de casi seis minutos. Estas dos también comparten la forma en la que observamos la escena, siendo, detrás del sujeto actuante, además de hacer notar el cómo se había salido de las manos la normalización de la violencia en ambas sociedades.

 

Una hora y veinte minutos es lo que dura la apreciación habitual que tienen unos contados jóvenes hacia su vida escolar, en un día no ordinario.

Inspirada en los hechos ocurridos en la escuela secundaria Columbine el 20 de Abril de 1999, este largometraje aborda un suceso como lo es un tiroteo escolar, diría, con calma, muy contrario a las escenas cortas y rápidas que nos han acostumbrado cualquier otra película que cuente con armas de fuego.

En este juego con el tiempo Gus Van Sant nos permite analizar las micro historias de doce jóvenes, unas más interesantes que otras, pero todas con la misma importancia de vida.

Un personaje no principal, pero que nos sirve como punto de anclaje es el perro, especialmente cuando salta, esa esencia de alegría e irradiación de bonanza terminan en el momento que cae al suelo desdibujase y prestándoles foco a los dos chicos vestidos de guerra, antes invisibles a nuestros ojos.

Esta situación que se genera con el espectador me parece reespecial, porque nos permite saber el instante exacto en dónde va a comenzar la masacre, sin embargo, no nos la da enseguida, dejándonos expectantes, obligándonos a acechar a ese dichoso perro a través de los ventanales de los pasillos y el comedor. 

Además, creo que en esta misma escena, nos hace entrar al público como otro de los personajes, que a primera vista restamos importancia a esos dos vestidos de manera peculiar, no obstante, pasaron por nuestro lado recorrieron por lo menos cincuenta metros del jardín hasta entrar a la escuela y no hicimos nada.

Asimismo, el personaje de Michelle me regalo el hecho que resonó más conmigo y se me hizo el símbolo más certero para establecer la narrativa de cotidiano. Ese lapso, en que dejo de correr su circuito y se detuvo a contemplar el cielo junto con una sonrisa me pareció mágico, dado que, ¿quién de nosotros no se ha detenido a mirar por arriba de las nubes agradeciendo tan bello paisaje? De nuevo un acto habitual pero que se queda marcado como el último íntimo y especial.

De igual manera considero que la cosa que más nos presta el entorno de  la vida de chicos de secundaria, es la escena de las chicas malas, que nos llevan de recorrido por toda la institución, dándonos al oído los cotilleos más candentes del momento mientras nos pasean por los pasillos, permitiéndonos observar la separación social en las mesas de la cafetería e incluso confiándonos la secrecía que existe solamente en el baño para mujeres.

Para finalizar quisiera externar la preocupación y dudas que genera en mí el último personaje en ser presentado, el afroamericano, la audacia y falta de miedo para moverse en esa posición de riesgo. Me hace preguntarme ¿qué es lo que pensaba?, ¿tan normalizada tiene la violencia que cuando la ve no le genera pavor?, dudas que tal vez sólo el director me pueda contestar.

Intuyo que el nombre “Elephant” viene del dicho en inglés there´s an elephant in the room el cual nos dice que existe una situación tan gigante de la cual todos somos conscientes, pero deseamos omitir.

Analisis Cinematografico ELEPHANT

Elefante (ELEPHANT)- El arte inspirado por la vida

 La película Elephant (2003), dirigida por Gus Van Sant, presenta un día aparentemente cotidiano dentro de una escuela secundaria en Estados Unidos. A través de una narrativa fragmentada, seguimos a distintos
estudiantes —John, Elias, Michelle, entre otros— mientras recorren los pasillos, conversan con amigos, toman fotografías o enfrentan problemas personales.

Paralelamente, se introduce la historia de dos jóvenes, Alex y Eric, quienes se muestran aislados del resto. Poco a poco se revela que están planeando un ataque armado dentro de la escuela. La película no sigue una estructura lineal tradicional, sino que repite algunos momentos desde diferentes perspectivas, lo que permite al espectador reconstruir los hechos.

El clímax ocurre cuando los dos estudiantes ejecutan el tiroteo, generando caos, miedo y muerte. La película termina sin una resolución clara, dejando una sensación de vacío e incertidumbre.

 Uno de los recursos más destacados es el uso de planos secuencia largos. La cámara sigue a los personajes durante varios minutos sin cortes, especialmente mientras caminan por los pasillos de la escuela. Este recurso genera una sensación de tiempo real y permite al espectador experimentar la rutina de los estudiantes de manera continua. Al no haber interrupciones, se crea una conexión más directa con los personajes, como si el espectador estuviera caminando junto a ellos, lo que aumenta la sensación de inmersión.

Además, los movimientos de cámara son suaves y constantes, generalmente ubicándose detrás de los personajes. Esta decisión no es casual, ya que refuerza la idea de acompañamiento y observación. El espectador adopta una posición casi invisible dentro del entorno escolar, lo que aporta un tono casi documental. Otro elemento clave es el uso del tiempo no lineal. La película repite ciertas escenas desde diferentes perspectivas, mostrando cómo varios personajes coinciden en los mismos espacios sin interactuar necesariamente. Este recurso no solo permite entender mejor la estructura del suceso, sino que también transmite una sensación de inevitabilidad, como si todo estuviera destinado a ocurrir sin que nadie pueda evitarlo. 

El sonido también juega un papel importante dentro de la cinematografía. La ausencia de una banda sonora constante hace que los sonidos ambientales —pasos, conversaciones, puertas— cobren mayor relevancia. Este minimalismo sonoro intensifica la tensión y hace que los momentos de silencio sean aún más impactantes. Cuando ocurre la violencia, la falta de música dramática evita que el espectador se distancie emocionalmente, obligándolo a enfrentar la crudeza de la situación.

Finalmente, el ritmo pausado de la película puede parecer lento, pero cumple una función narrativa clave. Refleja la monotonía de la vida escolar y permite desarrollar una atmósfera de aparente normalidad. Este ritmo contrasta con el clímax violento, haciendo que el impacto sea mucho más fuerte. La calma inicial no solo construye tensión, sino que también hace evidente lo abrupto e irracional del suceso.

En Elephant, dirigida por Gus Van Sant, se centra en la representación de la violencia escolar desde una perspectiva compleja, ambigua y profundamente reflexiva. La película no presenta el tiroteo como un hecho aislado o fácilmente explicable, sino como el resultado de una serie de factores que se entrelazan dentro del entorno social y personal de los personajes.

En primer lugar, el suceso se construye a partir de la aparente normalidad. Durante gran parte de la película, se muestra la rutina cotidiana de los estudiantes: caminar por los pasillos, asistir a clases, convivir con amigos o enfrentar inseguridades personales. Esta normalidad no solo sirve como contraste con la tragedia final, sino que también sugiere que la violencia puede surgir en cualquier momento y en espacios que parecen seguros. La escuela, que debería ser un lugar de aprendizaje y convivencia, se transforma en el escenario de una ruptura violenta de esa cotidianidad. 

Un elemento fundamental del análisis es la ausencia de intervención o prevención. A lo largo de la película, nadie parece percibir con claridad lo que está por suceder. Esto puede interpretarse como una crítica a la falta de atención hacia señales de alerta en la vida real. La tragedia ocurre no solo por las decisiones de los agresores, sino también por la incapacidad del entorno para identificar y atender situaciones de riesgo.

 CONCLUSIÓN

Elephant es una obra cinematográfica que destaca por su enfoque reflexivo y su estilo minimalista. Dirigida por Gus Van Sant, no busca entretener en el sentido tradicional, sino provocar una experiencia introspectiva en el espectador.

La película logra mostrar cómo la violencia puede surgir en espacios cotidianos sin previo aviso claro. Su mayor fortaleza es precisamente su ambigüedad: no da respuestas, sino que plantea preguntas.

Desde el punto de vista cinematográfico, el uso de planos secuencia, el ritmo pausado y la narrativa fragmentada construyen una atmósfera realista y perturbadora. Todo esto contribuye a que el impacto emocional sea profundo y duradero.

En conclusión, Elephant no solo es una película sobre un tiroteo escolar, sino una reflexión sobre la sociedad, la juventud y los problemas que muchas veces se ignoran hasta que es demasiado tarde. Es una obra que invita a cuestionar, observar y, sobre todo, a no ignorar aquello que resulta incómodo.