Imagen tomada de: https://www.creatividadinternacional.com/
Hay algunos especialistas que dicen que fueron los hermanos Lumiere quienes sentaron las bases de los llamados géneros cinematográficos primarios. Es decir, el documental y el de ficción. Al respecto del segundo, se dice que con su corto, El regador regado (1896) donde se muestra un pequeño gag y con ello la intervención del ingenio, la mente, el tratamiento para una historia que cambia lo que venían haciendo con sus llamadas vistas, los inventores del cinematógrafo.
Corto tomado de: https://www.youtube.com/
Con ello tenemos que entre La llegada del tren a la estación (1895), puede decirse da inicio el recorrido de lo que terminaría por conocerse como Séptimo Arte, son tiempos de exploración, no sólo por el desarrollo de un lenguaje en ciernes, sino también en el terreno tecnológico, pues se sabe que en sus inicios el cine tuvo ocasión de ir incorporando recursos que favorecieran su manufactura.
Así, hasta antes de la llega del sonido incorporado al cine, hubo la posibilidad de encontrar la forma de recrear esas historias que se presentaban en los recintos que ávidos de participar del nuevo espectáculo, por lo que a los textos que se mostraban en aquellas películas, en las salas se veían complementadas por un narrador, algún gramófono, incluso alguna pequeña orquesta.
Video tomado de: https://commons.wikimedia.org/
Fue con La secuencia del jardín Roundhay(Le Prince, 1888), cuando los historiadores -dice- propiamente nace el cine mudo, secuencia que reúne 52 fotogramas cuya duración es poco más de 4 segundos, reproducidos a 12 fotogramas por segundo. Esa es película que los especialistas consideran da inicio a este arte, aún antes que la presentación que hicieran Louis y Auguste Lumiere en 1895).
Sin embargo, sería ya en la década de los 20 del siglo siguiente, cuando el cine despunta y con ello vendría la participación de un puñado de realizadores que contribuirían a definir la época del oro del cine silente. Industrias como la francesa, la norteamericana, la alemana, son conocidas por el aporte que hicieron, así como directores y actores, quienes engrandecieron esta naciente industria.
Buster Keaton, Charles Chaplin, Harold Lloyd, Max Linder, fueron actores, incluso realizadores que definieron la comedia silente, en buena medida, pero también por su tratamiento a las historias, contribuyeron a definir los rasgos del drama. Junto a ellos, directores como David Griffith, Robert Wiene, Abel Gance, Fritz Lang o Sergei Eisenstein, entre otros, redondearon aquellos años cuando el cine pasó a ser un invento a un espectáculo y experiencias, para enriquecer las formas de entretenimiento de un público que comenzó a tener una relación diferentes con este medio.
En ese contexto, te invitamos a que tú mismo decidas qué película de la etapa del cine mundo quieres ver para realizar tu comentario para esta tercera actividad, que has iniciado en Lienzos y culmina de este blog.
Los criterios que se te piden para esta participación, son los siguientes:
- Contextualiza tu comentario hablando de la importancia de esa película en el contexto del cine mudo.
- Describe la sinopsis de la película, donde destaques también los nombres de su realizador y algunos aspectos técnicos que se consideran importantes en esta película.
- Asume una postura crítica y señala aquello que en lo personal consideres importante en el contexto de tu formación disciplinaria y nuestra experiencia educativa.
- El comentario debe tener una extensión máxima de 650 palabras.
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El acorazado de Potemkin.
ResponderEliminarEl cine mudo es sin duda alguna la base de lo que hasta ahora es el cine. En cuanto a los recursos materiales y tecnológicos ha cambiado abismalmente, pero lo que nunca cambia es la gran diversidad de contenidos fílmicos. Para esta actividad decidí ver la película de “El acorazado de Potemkin”.
Serguéi Eisenstein, director de la película, plasmó lo que fue la revelación de la tripulación ante la armada zarista, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer alimentos en mal estado, deciden sublevarse. Con muchas imágenes expresivas en forma de álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas. Dicha película fue estrenada en 1925, la primera década después de la Revolución rusa, constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la revolución rusa de 1917. La cinta fue considerada la mejor de la historia en la exposición general de Bruselas en 1958.
Desde esa época comenzó la propaganda política y un ejemplo de ello fue esta película.
Algo que considero importante en el contexto de mi formación disciplinaria y la experiencia educativa es que el cine es arte y como toda obra debemos prestarle atención a cada detalle que nos brinda, porque es parte de la composición que provoca sea única pese a que pueda haber películas del mismo género.
Desde mi perspectiva me sorprendió la gran personificación todos los inmiscuidos en el filme, aprecié las expresiones y vestimenta pese a que es una película en blanco y negro y no tiene diálogos, así como la composición de los escenarios y los diferentes tipos de tomas.
Sin duda alguna mi parte favorita fue la escena de la escalera de Odesa, cuando los soldados dispararon contra el pueblo y como le disparan a una madre que huía con su bebé que llevaba en un carrito, porque procuraron que destacara todo, el pueblo fue el protagonista en ese momento. Incluso esa escena durante algún tiempo la gente creyó que había sido real, algo que se tuvo que desmentir para evitar confusiones.
Por último agrego la gran labor de Sergei, ya que no utilizó actores profesionales para la película, tomaba a personas que se relacionaran con el ámbito social del personaje para que fuera más realista. También, Eisenstein estuvo un tiempo en México, donde decidió grabar una película llamada ¡Qué viva México! , aunque nop pudo terminarla por problemas económicos.
Gerardo:
EliminarGracias por su comentario.
Sin duda seleccionó una de las grandes obras del cine, en la que se plasma las posibilidades de un lenguaje en ciernes. Como bien apunta, llegó y sigue siendo considerada como una de las oobras cumres en la historia del cine.
Qué bueno que se decidió por esta película.
Saludos
Una película Silent que vale la pena ver es "Tiempos modernos" de Charles Chaplin, si bien es considerada la última película de este género Silent, a pesar de que le fueron agregados aspectos sonoros la película no necesitaba de más para ser entendida, las expresiones y acciones de los personajes eran exagerados llegando a ser extremadamente cómico al punto de explotar en carcajadas.
ResponderEliminarCabe resaltar el Cine de Chaplin y su capacidad para trasmitir aspectos complejos de ser humano y de la sociedad.
En la película se muestra el tema de la organización del trabajo durante lo que se hace llamar la segunda revolución industrial, el cómo le es difícil al hombre moderno escapar de las consecuencias del capitalismo. Aquí nuestro protagonista trabaja en una fábrica de acero y debido al ritmo frenético al que consideraría explotación laboral este se lesiona perdiendo la razón llevándolo al hospital y también perdiendo su trabajo, cuando sale se ve involucrado en una revuelta por accidente y por si fuera poco creen que él es la mente maestra cuando sólo quiso devolver una bandera, es encarcelado y ahí detiene un tipo de motín por lo que empieza a vivir cómodamente.
El ya no tiene que hacer nada en la cárcel, lo dejan libre aunque es obvio que no quiere enfrentarse a la realidad del trabajo y ruega por quedarse pero se le es negado y en cambio se le da una carta de recomendación, trata de conseguir trabajo pero falla al ejercerlo, así trata de volver a la cárcel pero es cuando conoce a la chica huérfana.
Ambos empiezan a compartir el sueño de una vida mejor, tener una casa y comida pero tal parece que el destino no estaba a favor del protagonista, pues todo iba de mal en peor para él, cada vez que regresaba de la cárcel la chica estaba ahí para él, ella consiguió trabajo y luego le ayudo a él, ambos trabajaron en el restaurante hasta que los policías dieron con el paradero de la jovencita.
Cabe resaltar el mensaje que se trasmite a través de ésta película; "Mientras haya vida hay Esperanza"
Me agrada cómo la banda sonora y las acciones de los personajes encajan perfectamente, acompañados de breves textos explicativos.
Algo que no logro entender del todo pero sé que trababa de decirnos algo es la primera escena, donde las ovejas y las personas parecían lo mismo, nos decía, es una semejanza sin decirnos que era una semejanza. En los pocos planos generales de la película vemos las aglomeraciones de personas y el bullicio de la ciudad como viven tan apresurados y eso es lo que nos quiere dar a entender ese plano, el ritmo de vida.
Los planos en conjunto que son de los que más se muestran nos dan a conocer quienes están, quienes rodean las acciones para darles importancia Y vemos primeros planos cuando hay emociones de por medio o se quieren trasmitir ciertos aspectos, como la incomodidad de la mujer del pastor por su ruido estomacal.
Es importante el reconocimiento de esta obra maestra a:
Banda sonora Original: Charles Chaplin
Compositor: Charles Chaplin
Director Musical: Alfred Newman
Arreglos Musicales: Edward Powell y David Raksin
Las música va acorde a las imágenes, siempre tiene sentido, en la fábrica la música te hace sentir agobio, cuando fantaseaba con una vida mejor la música era alegra e incluso los silencios, como con la esposa del pastor, nótese esa incomodidad, ahí queda perfecto lo de silencio incómodo.
Creo que la iluminación es preciosa, es en blanco y negro pero aun así supieron cómo hacerle, como cuando la chica estaba en cama, durmiendo antes de que la tienda abriera y la iluminación era trasera dándole a la imagen tranquilidad, creo que está película es increíble, me arrepiento de no haberlas visto antes.
Desde mi punto de vista, creo que estás películas son oro, ya que dicen tanto con acciones, no podemos decir que algo no nos gusta hasta no verlo porque nos podremos arrepentir después, me ha gustado el cine Silent.
(Karen medina)
Karen:
EliminarGracias por su comentario.
Efectivamente Tiempos modernos es una cinta que cierra toda una época, y en donde se muestra la mirada que Chaplin. hace de la revolución industrial, donde se da la oportunidad de cuestionar sus alcances y el impacto que, entonces observaba, tenía en la sociedad. Pero también, en esa primera escena critica la forma en que las personas como borreguitos sigue lo que le imponen.
Saludos
Siempre me he preguntado, ¿Como seria este tipo de cine si yo hubiera crecido viéndolo? En este caso vi la película que me recomendó, "la llegada del tren a la estación" me sorprende y da que pensar que para su estreno la gente se escondió bajo sus butacas por el miedo a que los arrollará el tren, hoy en día esa capacidad de asombro se desvaneció junto con la pureza de una buena historia simple. Es simplemente increíble después de un siglo como avanzo la tecnología y como ya no es tan fácilmente hacer que la gente se sorprenda.
ResponderEliminarQuiero destacar a los realizadores de esta óbralos hermanos Lumière por hacer un concepto sencillo pero efectivo ya que el objetivo era precisamente ese, hacer que la gente se asustara, gracias a ello por tener la creatividad en lo cinematográfico como la innovación de la profundidad de campo, de hacer un ángulo diferente en la toma para dar la ilusión del 3D y finalmente el uso sutil del sonido de la locomotora cuando el tren se va acercando, técnicamente todo fue innovador y novedoso.
Por ultimo este tipo de cine es el pionero en el que hoy se inspiran las películas, nos ha formado e inspirado como realizadores y creadores, pero sobre todo a poner una regla indispensable del cine que es "No cuente, muestre" recordandonos que debemos contar las historias visulamente.
(Jesus Roberto Rivera Rico)
Jesús:
EliminarGracias por su comentario
Si bien haber visto La llegada del tren a la estación le permite cumplir con la actividad, lo cierto es que es un obra muy menor en comparación con las grandes películas que se hicieron. Y no es cierto que la intención de los realizadores que se asustaran, menos cuando sólo fue disponer de la cámara en los andenes de la estación, como también lo hacían a la salida de las fábricas o simplemente para registrar lo que pasaba en la vida cotidiana. Ante esto, le sugiero que en verdad vea una película del cine mudo. No puede no hacerlo y decir que le gusta y apasiona el cine.
Saluduos.
Cuando se habla de cine es casi necesario hablar del cine mudo ya que la importancia de este en la historia de esta industria es notoria.
ResponderEliminarA titulo personal creo que las cintas que fueron hechas sin sonido son quizá más atrapantes para el espectador ya que como es muda esa carencia te obliga a prestarle una total atención a todo lo que acontece porque la persona debe leer los diálogos de los personajes además de observar con detenimiento sus acciones ya que algunas películas realizadas con esta rudimentaria técnica no solo presentaban historias de comedia pues en algunas presentaban historias un poco más complejas.
Una película que se me vino a la mente con este tema del cine mudo es “El acorazado Potemkin” pues hace no mucho un maestro nos la puso en clase y me llamo mucho la atención los temas que esta toca
Esta película fue dirigida por el cineasta soviético Serguéi Eisenstein y estrenada en 1925.
El tema central es el motín ocurrido durante la semana del 26 de junio de 1905 teniendo lugar en el acorazado Potiomkin cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista, en la entonces Unión Soviética
El motín inicio debido a los malos tratos de las autoridades hacia los marineros provocando su hartazgo y levantamiento.
Uno de esos maltratos, que por cierto la película retrata sumamente bien es que a los marineros se les obligaba a comer alimentos en mal estado.
Ese filme en cuestión está compuesto de los siguientes cinco episodios:
Hombres y gusanos (Люди и черви, Luidi i chervi o Luidi i červi).
Drama en la cubierta (Драма на тендре, Drama na tendre).
El muerto clama (Мёртвый взывает, Miortvy vzyváiet o Mjortvyj vzyvájet).
La escalera de Odesa (Одесская лестница, Odésskaya léstnitsa u Odésskaja léstnitsa).
Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой, Vstrecha s eskadroi o Vstreča s eskadroj).
Los expertos en el cine han dicho que esta película tiene una de las escenas más importantes en el séptimo arte “La escalera de Odesa” esta trata de un grupo de soldados que disparan contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos con el fin de que los rebeldes terminen con su apoyo. En ese mismo instante, se puede observar a una madre que es alcanzada por una bala mientras corre con un carrito de bebé, que rueda escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y esta decide enfrentarse a los soldados.
Bueno eso es un poco de lo que trata la película.
La razón por la que el maestro decidió proyectar esta película en su clase fue debido a la carga histórica que esta tiene además que se le puede sacar mucho material en el área semiótica principalmente con la escena de la comida en mal estado, que si no mal recuerdo esta tenía una metáfora con respecto a la autoridad que estaba en aquel 1905.
Sin duda una película recomendable, más para los que aman la historia del cine.
(Nelson Eduardo Ramírez Romualdo)
Nelson
EliminarGracias por su comentario.
Entiendo que no la volvió a ver pues no percibo una personalización desde el presente a propósito de lo que va escribiendo. Incluso vuelve a hacer referencia al profesor.
La actividad era seleccionar y ver una película en el contexto de nuestra experiencia educativa.
Quizá me equivoco pero es la sensación que me ha quedado.
Saludos
Cine mudo “Tiempos modernos”
ResponderEliminarPara esta actividad decidí ver la película “tiempos modernos” de Charles Chaplin, la cual es de sus películas más reconocidas y es considerada como una de las últimas películas del cine mudo. Esta película fue escrita y dirigida por Charles Chaplin, y nos narra la historia de un hombre y de sus desafortunadas experiencias en el mundo moderno.
A pesar de ser una película muda, tiempos modernos cuenta con sonido, se le agregó música para enfatizar diversos momentos en la historia, así como también, se le añadieron efectos de sonido, como los ruidos que hacen las máquinas y algunas voces provenientes de radios, por lo cual, es considerada como una combinación entre el cine sonoro y el cine mudo.
También cuenta con breves descripciones que van apareciendo a lo largo de la historia con la intención de hacerle comprender al público lo que está sucediendo, esto en conjunto con el sonido y las buenas actuaciones de los personajes, hizo que la película lograra transmitir de manera eficaz su mensaje.
En la historia podemos ver los cambios por los que estaba pasando la sociedad en esos momentos, y como afectaron a diferentes sectores de la población, como por ejemplo a la familia de la chica que se vio afectada por el desempleo de su papá. Así como también, el personaje principal quien acabo afectado por la presión de su trabajo y varias veces termino en la cárcel.
A pesar de no estar acostumbrada a este tipo de películas, la historia no se me hizo pesada, pienso que gracias al humor que le dieron a la historia y la contextualización a través de pequeñas descripciones sobre lo que sucedía, hizo que la película tuviera un balance en contraste con la desafortunada historia y la ausencia del dialogo.
Respecto al valor que tiene esta experiencia educativa con nuestra formación disciplinaria, pienso que el hecho de conocer todo lo que hay alrededor y detrás de este arte, nos hará poder apreciar y reconocer los aspectos, técnicos, visuales y de lenguaje, que debemos tomar en cuenta al querer transmitir un mensaje y así, poder llevarlo en práctica de manera eficaz.
Lilia:
EliminarGRacias por su comentario.
Tiempos modernos es un clásico del cine, no sólo silente. Se considera una joya por su manufactura y en especial por el tono con que Chaplin aborda el tema de la industrialización y sus consecuencias. Efectivamente el humano que maneja, hace que la cinta resulta entretenida y poco cansada.
Saludos
Viaje a la luna es una película muy importante, pues coloco las bases para lo que vendría siendo la ciencia ficción en estos tiempos. El simple hecho de poder viajar fuera de nuestro planeta, en una idea que en esos tiempos se consideraba imposible. La gran llegada de la ciencia ficción a las pantallas del cine sorprendió bastante a las personas y es por eso que a esta película se le conoce como una obra de culto.
ResponderEliminarTomé la decisión de ver la Película Francesa titulada: “El Viaje a la Luna” Dirigida por Georges Méliès. Estrenada en el año 1902, La película nos narra la historia comenzando por un congreso donde El profesor Barbenfoulis, Intenta convencer a sus compañeros científicos para una expedición a la luna, Al inicio todos rechazan la idea, pero al ver al personaje suplicar, cambian de opinión y comienzan el proyecto para realizar un cohete impulsado por un cañón para poder llegar a la luna. Al terminar la construcción de este. Llegan a la luna aterrizando en uno de los ojos de la luna. A partir de este punto la película toma un rumbo un poco curioso, pues al caer la noche en vez de ver la luna salir, lo que logran observar la misma tierra de la que vienen. Cuando los científicos logran dormir, se ve como un cometa pasa volando sobre ellos, seguido de como las estrellas los observan y los dioses romanos como júpiter los observan confundidos. Al despertar logran encontrar vida dentro de la luna, pero por su mala suerte, aquella vida alienígena es hostil y toma como prisioneros a los científicos, llevándolos con su líder, El profesor Barbenfoulis, enojado decide combatir con el líder de los alienígenas y al vencer, provoca una revuelta. Los científicos Logran escapar de la luna, sin embargo, tienen que esperar para ser rescatados.
La película me gustó mucho, había escuchado su nombre, pero nunca me había dignado en verla, a pesar de tener una duración corta, puedo notar que tiene varios puntos a favor, como la forma en que la historia transcurre, o como es que los escenarios cambian. Tiene unas pequeñas escenas de comedia, e incluso tiene acción, que, a pesar de ser un largometraje mudo, se puede notar la diferencia entre una escena y otra. En lo personal el cine mudo siempre me ha llamado la atención, pues el simple hecho de entender una historia sin necesidad de palabras, es un trabajo muy difícil de lograr. Lo único que me llega a sorprender es como se preocupaban por ponerle nombres a los personajes, si no podían mencionar una sola palabra.
El gran director Georges logro plasmar perfectamente un escenario ficticio de como seria llegar a la luna, pues no sería hasta el año de 1969 que se daría por hecho la llegada del hombre a la luna, George, además de crear un viaje, creo un conflicto con otra especie, que en estos momentos podemos confirmar de su inexistencia. La música en esta película me pareció un poco vaga para la idea de lo que estaba sucediendo en la escena. Sin embargo, logro distinguir los momentos de celebración, de tensión e incluso de conversación, como se vio al inicio.
En mi opinión las películas mudas son algo que nunca debería de olvidarse, pues es una gran materia para reflexionar la evolución que ha tenido este arte conocido como cine, además de lograr un perfecto entendimiento de las historias sin necesidad de palabras. En comparación con películas de estos tiempos que a pesar de tener sonido no tienen una clara ejemplificación de las escenas. Considero que el cine mudo es algo que se debe de analizar profundamente, pues siempre notaremos algo nuevo o algo que no hayamos notado la primera vez que se ve.
La película posea un dato curioso que hasta la fecha no logro comprender, y es la razón por la cual la luna posee un acara y siente el dolor de perder un ojo, pero eso es algo que vuelve único a este tipo de películas
Jesús Antonio:
EliminarGracias por su comentario
EFectivamente, Viaje a la Luna es un corto que abre al cine a la ciencia ficción, de la mano de Melies, el mago de este arte.
Es una adaptación de la obra de Verne y en ella se muestra la forma en que la ciencia permite que el hombre llegue a la luna y enfrente a los alienígenas. Es una historia fantástica con un cierto tono humorístico, propio del cine de su realizador. Como seguro apreciaste, mucho de lo mostrado, es herencia del teatro.
Saludos
Me decidí por ver la película de "El Acorazado Potemkin" por Sergei Eisenstein, no he visto casi nada de películas mudas, solamente algunas de Chaplin en mi niñez, sin embargo me sorprendió cómo el aspecto visual sin necesidad de diálogos puede dar un panorama bastante diferente entre lo que es la comedia que veía de Chaplin y esta cinta, siendo más dramática, estaba investigando y me di cuenta que incluso remarcaba una historia real de la época donde la tripulación de marinero de un buque zarista se revelaba contra sus superiores ante la fallida insurrección de 1905.
ResponderEliminarEn el mundo del cine mudo me pareció relevante por el significado que brindaba a la audiencia en esa época, tratándose de un argumento fuerte y gráficamente explícito, muchos cortes, muchas tomas, cómo fue logrado transmitir ese sentimiento, e incluso usando locaciones abiertas me pareció interesante y eso me gustó demasiado.
Las películas mudas complementan sus filmaciones visualmente con lo sonoro, respetando por ej. un momento en escena muy dramático, la música se intensifica, una escena triste, la instrumental es ligera, en esta cinta se aprecia ese aspecto técnico, siendo la banda sonora compuesta por Edmund Meisel y
Nikolai Krinkov. La trama inicia con la queja por parte de los marinos al ser alimentados por comida podrida, genera conflicto y vemos cómo a los superiores se les es fácil ejecutar a parte de la tripulación y cómo ellos cansados de este trato inicia el sabotaje, resulta que este desastre se expande y llega hasta las poblaciones, un apartado impactante y genera una impresión por ver a tanta gente siendo participe de esta rebelión siendo asesinada.
Al inicio tardó en captar mi atención, posteriormente entendía el significado de la propuesta y ya tenía un percepción más acertada e interesante de lo que estaba viendo, presiento que en lo personal me da un nuevo panorama de cómo se lucían ñas películas en ese entonces, cómo va evolucionando y el aspecto del blanco y negro que a pesar de ser un recurso antiguo, no pierde su esencia ya que en la actualidad hay quienes les gusta apreciarlo (me incluyo), por ej. con la nueva película de Guillermo del Toro "El Callejón de las Almas Perdidas" la cual fue grabada también pensando en que tendrían una versión en blanco y negro.
A fin de cuentas vamos a notar el progreso de una innovación, hablo en general que puede ser en cuanto al audio, imagen, estética, producción, etc. es lo que espero observar en esta experiencia educativa.
(Tristan Yared Oropeza Jiménez)
Para esta actividad escogí la película titulada “Metrópolis” película de 1927 dirigida por Fritz Lang que supuso un antes y un después en el mundo del cine ya que utilizó efectos especiales para la época, que más adelante mencionaré.
ResponderEliminarComienza la película explicando, que hay una versión dañada del filme, no encontraban posiciones y tamaños correctos, las posiciones perdidas son rellenadas con franjas negras.
De ahí, se mestra la toma de edificios grandes, bajando a la ciudad subterránea en que trabajan las máquinas que hace que todo funcione arriba, manejadas por los obreros que viven aún más abajo.
Escenas de una fabrica y maquinas, se muestra donde va avanzando un reloj mismo que con el tono de música que usaron se puede sentir como va corriente el tiempo rápido.
En lo personal y analizando una escena que es la primera vez que veo, el tono de música que usan mientras los hombres van caminando con un paso lento no sea el adecuado por que me confunde un poco las emociones.
Creo que en el cine mudo es muy importante que un sonido quede perfectamente con los movimientos que se están presentando en la escena, ya que cada persona lo percibe diferente.
En la pantalla por cada escena, me van mostrando diálogos que es lo que se supone que diría el personaje si se pudiera escuchar.
Es interesante la trama, como Maria es un robot y la conclusión que tiene su inventor de que una mujer-máquina, una máquina que no comete errores, no descansa. Rotwang atrapa a María, la encierra y convierte a la máquina en su imagen.
Me parece que es una buena película, investigué sobre ella también en comentarios que opinaban las personas, leí comentarios de algunas que creen que es de las mejores películas del cine mudo, y otros, que creen que es un intento fallido. Como mencioné antes, quizás tiene mucho que ver la época, al menos yo sentía un poco de ruido en algunas partes por que no congeniaba con el todo de sonido que incluían, es por lo único que me inclinaría a algo no tan acertado.
Me llamó la atención, quizás si no hubiera tomado esta clase, nunca me hubiera puesto a ver una película muda, no le habría prestado la misma atención, estamos acostumbrados ahora, a tantas cosas diferentes por ver en pantalla.
Intérpretes: Gustav Fröhlich (Freder), Brigitte Helm (Maria / Robot), Alfred Abel (Joh Fredersen), Rudolf Klein-Rogge (Rotwang), Heinrich George (Grot), Fritz Rasp (El Hombre Delgado), Theodor Loos (Josaphat), Erwin Biswanger (Georgy).
Perla
EliminarGracias por su comentario.
La película Metropolis, es un excelente ejemplo del cine de ciencia ficción y con ello lo que la estética supuso y hasta el día de hoy es posible reconocer en algunas películas. El Expresionismo Alemán es un movimiento que veremos más adelante, pero lo refiero porque esta cinta suele ubicarse en ese periodo, donde la arquitectura y estética mostrada, permite identificar un par de rasgos de aquel movimiento.
Saludos
El tren fantasma
ResponderEliminarEsta película destaca por su valor para la historia del cine mexicano: El Tren Fantasma, filmada por el Director Gabriel García Moreno en 1926, es uno de los pocos largometrajes producidos en México durante el periodo mudo que se conservan en la actualidad. Fue una historia que innovo y beneficio mucho al cine mexicano y más a la cuidad de Veracruz. La historia narra el triángulo amoroso entre el ingeniero Adolfo Mariel, interpretado por Carlos Villatoro, el torero Paco Mendoza, interpretado por Manolo de los Ríos, y la bella Elena, hija del despachador de la estación de trenes de Orizaba, Don Tomás del Bosque, interpretada por Clarita Ibáñez y los robos sucedidos en los trenes.
El ingeniero Adolfo Mariel, es enviado a Orizaba Veracruz, para investigar los robos en la estación de trenes de la ciudad conoce a don Tomás del Bosque que es el conductor de uno de los trenes, y a su hermosa hija Elena, de quien se enamora. Sin embargo, no es el único pretendiente de Elena ya que luego se presenta a Paco Mendoza, aunque todo el mundo piensa que es un joven bueno y respetable, en realidad es “El Rubí”, el líder de una banda de ladrones dedicados a asaltar y robar trenes. Estos dos hombres enamorados por la belleza de Elena, inician una pelea para intentar conquistarla, cada uno trata por sus propios medios, hasta el punto de que Paco (el malo) y los ladrones pretenden secuestrar a Elena, para luego rescatarla y hacerse pasar por un héroe. Todo va bien para Paco (el rubí) hasta que Adolfo descubre la verdadera identidad de su rival gracias a Chango, un chico que andaba con los ladrones.
Buscando más información de este film encontré que fue rodado al aire libre en la ciudad de Orizaba, Veracruz, en la década de 1920, la película está rodada al estilo de las películas de terror americanas de la época, contrataron a actores de clase alta y extras de la misma ciudad. La cinta se presenta en forma de tres rollos de 35 mm, en blanco y negro, con base de nitrato de celulosa, con ralladuras y desperfectos por emulsiones, esmaltes, etc. El proceso de restauración se lleva a cabo en varias etapas: revisión, limpieza ultrasónica, impresión 2K y escaneo de puertos húmedos.
Lo importante que considero para ni formación disciplinaria y en lo que más atención puse fue la manera en la que las tomas están grabadas y restauradas ya que es un trabajo difícil de hacer, las escenas, aunque están en blanco y negro se aprecian los detalles y la continuidad en ellas, otra cosa que me gusto fue la actuación de los personajes porque a pesar de que no hablaban se entendía perfectamente la historia y la trama. Siento que hacer este tipo de películas no es algo fácil, hay que tener un buen guion y actores capaces de llevar e interpretar la historia.
En lo personal como no estoy acostumbrado a ver este tipo de películas me costó verla completa, por lo mismo de que estaba en blanco y negro, también obviamente no tienen dialogo los personajes y las canciones de fondo al ser en instrumental había partes en las que me daba un poco de sueño, ya que este tipo de música en piano, orquesta e instrumental me gusta, pero me relaja por lo que en ocasiones llegaba a cerrar los ojos.
Para finalizar este film me parece muy bien producido para la época y la trama si no era actuada correctamente no iba a ser entendida, pero los directores y actores supieron llevar muy bien esos detalles. Las canciones, escenas, escenografías me parecieron buenas y exactas para la trama ya que si se llegaría a notar si le ponen menos o más, porque al ser una historia sin audio el contexto del fondo tiene que ser lo suficientemente visible para presentar y manejar la historia.
Denilson Martínez Rosas
Denilson:
ResponderEliminarGracias por su comentario.
Debo confesar que la película no la he visto, pero por lo que narra me ha llamado la atención, así que la buscaré para verla y poder tener su referencia.
En todo caso, gracias por este hallazgo
Saludos
Buenas tardes, la película del cine silente que decidí ver fue "tiempos modernos" de Charles Chaplin, esta fue la primera película de cine mudo que vi, la verdad me gustó mucho y jamás imaginé que le fuera a tomar gusto a la película. Me tomó por sorpresa que agregaron música y ciertos sonidos a la película, eso le da un toque diferente que me permitió disfrutarla.
ResponderEliminarEsta película la dirigió Charles Chaplin y trata de la vida de un hombre al que le pasan toda clase de sucesos, lo meten a la cárcel, trata de trabajar en un restaurante como mesero, incluso, intenta trabajar en una fábrica, en cada uno de esos momentos se enfrentó a algunas dificultades que sirvieron para demostrar un claro ejemplo de lo que se vivía al tratar de adaptarse a los tiempos modernos.
A lo largo de la película aparecieron descripciones que me ayudaron a comprender lo que sucedía y eso cambio mucho mi experiencia al estar viendo la película. No se me hizo pesada la historia e incluso me hizo reír en varias ocasiones.
Ver esta película y tratar de analizar el entorno, las situaciones y la forma en la que está estructurado el filme, me hizo darme cuenta de lo mucho que me va a servir esta experiencia educativa para notar todos los detalles que forman a las películas y la importancia que hay al apreciar el arte que es el cine, animándome a ver toda clase de nuevas propuestas de cine y disfrutar de salir de mi zona de confort al tratarse de las películas. Con todo esto mi conocimiento podrá ser diferente y me servirá para desenvolverme académicamente de manera eficiente.
Jovana Esparza Martínez
Jovana:
EliminarGracias por su comentario.
Sin duda ha visto una de las cintas más memorables del cine mudo y en especial de Chaplin, quien como usted señala en la cinta muestra lo complicado que resulta adaptarse a un momento histórico para el que no siempre se está preparado.
Saludos
El enemigo de las Rubias
ResponderEliminarThe Lodger también conocida como el enemigo de las rubias de 1927, fue considerada la primer pelicula importante de Hitchcock. Aunque ya había dirigido otras películas esta es la primera obra en la que desarrolla su particular concepción del suspenso, donde podemos encontrar su tema mas recurrido, el falso culpable.
"El tema del hombre acusado injustamente produce mayor sensación de peligro a los espectadores, que se colocan más fácilmente en la situación de este hombre que en la de un culpable que trata de escapar. Siempre tomo en consideración a los espectadores"- Alfred Hitchcock
Esta nos cuenta la historia de un peligroso psicópata que está extendiendo el terror por Londres, un asesino que se apoda a sí mismo “El Vengador” y que mata a mujeres rubias (algo similar a Jack el destripador). Mientras la policía intenta atrapar al criminal, un misterioso hombre llega al humilde hogar de los Bunting para alojarse en una habitación alquilada, ese inquietante desconocido que dice llamarse Jonathan Drew, se enamora de la hija de los Bunting, Daisy, quien está comprometida casualmente con Joe Chandler, el inspector de policía encargado de descubrir a El Vengador, pronto empezarán a surgir sospechas por parte de la madre de familia de que Jonathan podría ser el asesino tras el cual anda la policía, pasándose los días tratando de descubrir si este es el asesino y alejando a su hija sin éxito de él.
La pelicula llego a ser aclamada y considerada como el mejor film mudo británico realizado hasta la fecha.
El enemigo de las rubias es la segunda pelicula de cine mudo que he logrado ver hasta el momento, si bien ya había visto obras de Hitchcock como la tan conocida psicosis, no había tenido la oportunidad de ver alguna de sus películas del cine mudo. La verdad quede encantada con esta obra al pasar el rato tratando de adivinar si nuestro protagonista es o no el asesino que tanto busca sin éxito la policía, las acciones que este realiza nos ponen a pensar si es alguien bueno o malo o si solo esta enamorado de Daisy o solo busca llevarla a su destino final.
Puede que al comienzo la pelicula llegue a ser algo aburrida si uno no esta acostumbrado a esta clase de cine pero esta sensación se desvanece al poco tiempo gracias a las escenas y la buena musica que las acompaña de fondo, la pelicula nos muestra los mismos escenarios, el trabajo de Daisy, las calles de Londres y donde se desarrolla casi toda la trama, la casa de los Bunting, a pesar de que son los mismos escenarios la verdad no se siente como algo tedioso al menos para mí da una sensación de familiaridad.
Una de mis escenas favoritas es cuando el personaje de Jonathan Drew esta caminando en su habitación, como la pelicula es muda es obvio que no podíamos escuchar los pasos que este estaba dando, pero Hitchcock decidió instalar un suelo de cristal muy grueso a través del cual se veía moverse al inquilino, para que asi el espectador comprendiera mejor la situación, esta escena no dura mucho, pero es la que mas recuerdo debido a lo ingenioso de la idea.
No considero que sea de lo mejor en películas mudas pero es realmente entretenida, me hare a la tarea de buscar más películas de este estilo ya que el genero de suspenso es uno de mis favoritos.
Hay que destacar:
Dirección: Alfred Hitchcock
Intérpretes: Ivor Novello, Marie Ault, Arthur Chesney, Malcolm Keen, Reginald Gardiner, Eve Gray, June
Argumento: Marie Belloc Lowndes (Novela)
Guión: Eliot Stannard
Fotografía: Gaetano di Ventimiglia
Athenas Sanchez Montoya
Athenas:
EliminarGracias por su comentario.
Si bien es cierto esta es una cinta que no he tenido ocasión de ver, sí que es una de las primeras obras del aclamado director Hitchock, quien desde el inicio de su carrera, mostró dotes y un tacto para manejar el suspenso, atributo que lo llegó a encumbrar como uno de los grandes maestros. Qué bien que ha sido una segunda oportunidad de acercamiento al cine mudo.
Saludos
En lo personal escogí una de mis obras favoritas del cine mudo: El Gabinete del Dr. Caligari.
ResponderEliminarEsta película cimentó o dio origen a lo que hoy se le conoce como el expresioanismo alemán, y vaya que es de alabar esta obra. La película nos narra la historia de dos hombres quienes están enamorados de la misma mujer, se encuentran un día con la carpa de Caligari en el circo de la sucidad, junto con su atracción única y princiapal: Un Sonámbulo. Pero cuando multiples robos y homicidios ocurren en las oscuras noches de la ciudad, nuestro protagonista comienza a sospechar de Cesare, el sonámbulo. Teniéndo un final que fue único en su momento, pues termina de una forma que el espectador piensa: "¿Qué rayos acaba de pasar?"
El director de la película, Robert Wiene, incluso apareció dándole vida al mismímiso Caligari, y se puede apreciar, por la visión que tuvo para filmar, que el sujeto sabía perfectamente del lenguaje corporal, pues aunque hayan textos que funcionen como dialogos y letreros, la película puede entenderse fácilmente en cada uno de sus seis actos sin estos. La actuación junto con el maquillaje hicieron que las expresiones de Cesare fueran únicas y marcaran un antes y un después, tanto que pasan como una referencia visual e inspiración para múltiples cineastas. A lo largo de seis breves actos, la película se ocupa de temas de paranoia, mentalidad y trauma, sin mencionar una sombría desconfianza hacia la autoridad. Caligari nació de los pacifistas alemanes marcados por la Gran Guerra, aún frescos en la memoria, y perseguidos por el extremismo político que ya fraccionaba en los primeros días de la República de Weimar. No es tan difícil vincular una trama relacionada con el poder de la mente y un sonámbulo hacia la violencia sumisa con el pasado reciente y el futuro que se avecinaba, no dos décadas después.No creo que las películas causaran el nazismo en Alemania, y si lo predijeron depende en gran medida de la retrospectiva. Lo cierto es que las películas de terror expresionistas crearon el género más duradero y a prueba de balas. Ningún otro género tiene atractivo de taquilla por sí solo, aunque el cine negro, también profundamente influido por el expresionismo, se le acerca. Todo lo que una película de terror necesita prometer es horror: lo indescriptible, lo aterrador, lo despiadado, la monstruosa figura de destrucción que se tambalea. No necesita estrellas, solo valores básicos de producción, solo la capacidad de prometer horror.
La década de 1920 fue la década que vio el surgimiento de los movimientos dadaísta y surrealista. El primero rechazó toda pretensión, toda norma, toda sinceridad. Era una expresión profunda de desesperanza y alienación. Condujo al surgimiento del movimiento artístico relacionado Surrealismo, que se separó del orden y la propiedad, rechazó los valores comunes, despreció la tradición y buscó derrocar a la sociedad con la anarquía. Se dice que tales movimientos fueron una reacción al horror de la Primera Guerra Mundial, que trastornó décadas de relativa tranquilidad y orden, arrojó a las naciones europeas a nuevas relaciones inestables y presentó el espectáculo inhumano de la batalla mecanizada moderna. Después de la brutalidad de la guerra de trincheras, sería difícil volver a los paisajes y la naturaleza muerta. Objetivamente, considero que la película tiene bastantes razgos a los que se les debe aplaudir, pues en la composición tiene aspectos que, como ya dije varias veces, destacan en la actualidad. Es por esto que esta película debe ser analizada por nostros los comunicólogos, y más en la materia de análisis cinematográfico, puesto a que es sumamente importante para nosotros conocer como es que el cine expresionista se cimentó, además de ver cómo fueron los primeros productos hechos para el cine. No quiero sonar pretencioso, pero me agrada pensar que cada película que vemos en cualquier cine de hoy, toma al menos un 1% de algo que está en la película del Gabinete del Dr. Caligari. Hay que darle más seguimiento a las películas que son los pilares del cine.
Diego Campos Guillen
Diego:
EliminarGracias por su comentario.
Leo con interés el tratamiento que haces de la cinta como de la información que puede encontrase alrededor de ese movimiento estético, como de los otros que mencionas. Es verdad que esta obra marcó un antes y un después y sigue siendo un hito cinematográfico, por lo que cada ocasión que uno se acerca a ella, termina por confirmar su vigencia.
Saludos
Relato fiel del inicuo proceso que llevó a Juana de Arco a la hoguera. Obra maestra del cine mudo y de la historia del cine, el danés Carl Th. Dreyer atrapa el dramatismo del dilema de conciencia de la protagonista, que podría salvar la vida si se retractara de las apariciones que permitieron coronar al rey de Francia.
ResponderEliminarLa Pasión de Juana de Arco fuera una obra vanguardista. Él no buscaba experimentar con el lenguaje cinematográfico, simplemente fue fiel al recurso que pensaba que mejor le permitiría transmitir el avance del juicio. Y en ese sentido, La Pasión de Juana de Arco es ante todo una de las más grandes muestras del poder expresivo del rostro humano. Sirviéndose solo de la imagen. Dreyer consigue con esta concatenación de primeros planos transmitir las sensaciones que sentía la protagonista y conmovernos profundamente sin darnos nada más a que agarrarnos: no se nos presenta previamente al personaje para que lo conozcamos mejor, ni se utilizan apenas trucos cinematográficos para romper la posible monotonía del juicio (flashbacks, sobreimpresiones que reflejen el estado mental de la protagonista…), lo cual le da al filme una pureza especial. director se esforzó desde el principio por obtener absoluta autenticidad. El transcurso de la acción y los textos para los títulos intermedios los tomó de las actas del proceso. Los decorados los hizo construir según el modelo de antiguas miniaturas, no en un estudio cinematográfico sino en campo abierto, fijándose que fueran lo suficientemente sólidos para garantizarle a los actores completa libertad de movimiento.
La expresividad e intensidad de los primeros planos son un monumento a la interpretación. Sin duda es una obra maestra inalterable al paso del tiempo. Una película muy interesante,con una banda sonora muy acertada.
Jonathan:
EliminarVeo que lo hecho en buena parte es el plagio de un sitio en donde se analiza la referida cinta. Espero no vuelva a ocurrir.
https://eltestamentodeldoctorcaligari.com/2020/07/02/la-pasion-de-juana-de-arco-la-passion-de-jeanne-darc-1928-de-carl-theodor-dreyer/
La película que elegí es "tiempos modernos" escrita y dirigida por Charles Chaplin, esta película cuenta la historia de un hombre que trabaja en una fábrica en donde aprieta tornillos, pero debido a que todo lo hacía de forma automática termina volviéndose loco y a su vez es despedido, una vez desempleado busca nuevos empleos que no le salen del todo bien, va a la cárcel por ser confundido con un líder sindical, pero ahí encuentra el amor, la chica es una huérfana que huye de la policía con tal de no ir a un orfanato, juntos atraviesan por malos momentos hasta que al final los dos superan sus dificultades. Una de la escenas que me llamó la atención fue en la parte que el autor canta, por que si bien la música y los sonidos sí juegan un papel importante, no hay diálogos; así que esta parte de la película le da un toque especial. También nos muestra como las máquinas han cambiado la vida del hombre hasta llegar a que dependan de ellas, que también es como una crítica.
ResponderEliminarRebeca:
EliminarGracias por su comentario.
Debo reconocer que me llama la atención la sencillez y con ello la claridad en sus planteamientos, en especial para referir alguna escena que le pareció importante y que aborda con simplicidad pero suficiente claridad.
Saludos
Si hay algo que se ha caracterizado mucho acerca del cine, son las peliculas mudas, creo que la mayoría de nosotros nos hemos encontrado en peliculas o series de la actualidad, donde incluyen en pequeños fragmentos, el chiste del cine mudo, donde los personajes son caracterizados por personajes en blanco y negro, donde no hablan, suena melodías que van acorde a lo que se quiere expresar en ese momento y aparecen los típicos letreros donde se escribe lo que dicen los personajes, incluso lo llegue a ver en un corto de un juego en linea que solia jugar, dejo el link por si gustan verlo https://youtu.be/BeUaYnSaUcQ me da risa como se “burlan” de ese genero cinematográfico que la verdad encaja bien en momentos que les gustaría añadir un toque de comedia.
ResponderEliminarLa película que escogí para ver y hablar de ella en este trabajo, es la de El maquinista de La General (1926) de Buster Keaton, quien también la codirigió con Clyde Bruckman.
Cuando estaba buscando una película silent, de preferencia puse que me saliera una lista de peliculas bajo el género comedia, ya que es mi genero preferido, si algo me hace reír o llorar, me hace sentir demasiado bien, y la verdad que esta película si me hizo reír aun que, a su vez, no evitaba pensar en la cruda realidad que pasaron tras las guerras y que Buster quiso añadirle “humor” a un tema delicado.
La historia se trata de Johnny Gray (Buster Keaton), quien es un maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica y una locomotora llamada "La General". En 1861, cuando estalla La Guerra de Secesión, Johnny intenta alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que es un cobarde y lo rechaza. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado en las líneas confederadas le robe la locomotora y rapte a su novia.
Si bien, esta película es del año 1926, recordemos que la guerra civil en estados unidos, se dio entre 1861 – 1865, años en las que se sitúan la historia, la película recibió demasiadas criticas lo que propicio que Buster decayera en su carrera como cineasta, lo que me recuerda mucho a la película que vimos en la clase pasada, que tambien tocaba el tema triste de la guerra y que muchas personas no estaban para soportar el humor en un momento tan crítico, lo que hoy en dia lo puedo relacionar quizás no con peliculas pero si con las publicaciones del dia a dia, vemos como personas comentan y se burlan de ciertos temas que para otros es delicada y ya casi casi le estan “funando”.
Dejando de lado las historias, creo que el cine mudo es un trabajo muy delicado de elaborar, muchos de nosotros, incluyéndome, se nos facilita elaborar algo que a fuerza lleve palabras y gesticulaciones, para algunos el crear una historia o hablar por radio, tiende a ser difícil porque nos gustaría que nos vieran hacerlo, que nos vieran decirlo para sentir que me entienden, como para otros, solo gesticular sienten que no dicen mucho y si, en las peliculas silent, podemos apreciar uno que otro dialogo escrito y puesto en pantalla, pero aun asi, en su mayoría, nos cuentan una historia con lo que hacen y no con lo que dicen, lo cual me parece un trabajo demasiado complicado y muy laborioso.
Pero se supone que para eso estamos estudiando esta carrera, si algo que nos dicen los profesores es que una sola imagen puede decir más de mil palabras, el mensaje que queramos transmitir, dependerá de que tan creativa es nuestra propuesta y que tan bien lograda esta la información que queremos proyectar en una sola cosa.
Alejandra:
EliminarGracias por su comentario.
Debo destacar que me ha llamado gratamente la atención la forma en que va desarrollando su comentario, partiendo de una contextualización para luego colocarse como alguien que busca una cinta que la haga sentir bien; lo que la lleva a escoger un clásico del cine mudo que, como bien apunta, da ocasión de pensar también en el sufrimiento. Eso fue algo regular en el cine de Keaton como de Chaplin.
Saludos
Muy buena elección.
Saludos
Este comentario ha sido eliminado por el autor.
ResponderEliminarObra: Tiempos modernos
ResponderEliminarAutor: Charlie Chaplin
Tuve la oportunidad de ver esta obra hace 2 semestres en una experiencia educativa. La verdad no pensé que lograra llamar mi atención, ya que al escuchar cine mudo imaginaba una película con simples gestos que probablemente no entendería, sin embargo, la situación fue completamente diferente.
En palabras simples, la película habla sobre un hombre que se ve obligado a buscar nuevas oportunidades de trabajo debido a que perdió la razón, después de trabajar muchas horas en una fábrica, sin embargo, es complicado encontrar un nuevo empleo. A lo largo del filme, el protagonista (Charlie Chaplin) sufre distintos eventos, desde trabajar de guardia de seguridad hasta conocer a una huérfana que está siendo perseguida por la policía con la que decide quedarse y sobrevivir juntos. Al final de la historia, terminan juntos y buscan comenzar una nueva vida con mejores condiciones.
Por otro lado, desde un punto de vista más crítico, la película está ambientada en la época de la gran depresión y la revolución industrial, temporada en la que el desempleo y la falta de oportunidades estaban al límite, además podemos tomar como ejemplo a la joven huérfana de como vivían las personas de menores recursos.
Es curioso como hay mensajes que no todos las personas pueden observar la primera vez que visualizan el largometraje, porque a simple vista, parece una película “simple” sin voz pero con efectos de sonido que la vuelvan llamativa y divertida, sin embargo, pocas películas como está, buscan en dar un mensaje sobre lo que se vive en dicha época.
Cabe recalcar, que el punto original de Chaplin era completamente el de divertir: “Pero nuestro único propósito era divertir. Se trata sólo de mi viejo personaje, en las circunstancias de 1946. Como actor no tengo objetivos políticos. El filme parte de una idea abstracta; de un impulso para decir algo sobre la forma en que la vida es manipulada y canalizada, y en la que los hombres se transforman en máquinas"
Desde mi punto de vista, algo que puedo rescatar y que es importante para mi vida profesional, es el de no solo ver las cosas como un simple espectador, si no que debo adentrarme en análisis de las cosas , porque hasta el más mínimo detalle puede tener un mensaje oculto.
Johann:
EliminarGracias por su comentario.
Ojalá y se haya dado ocasión de volver a ver una de las cintas más memorables que realizó Chaplin, pues en ella podemos ser testigos de una crítica férrea a la modernidad que en aquel entonces él ubicó y aprovechó para contar una historia en tono de comedia pero que hace pensar un puñado de asuntos.
Saludos
Obra: The Kid (El niño, 1921)
ResponderEliminarAutor: Charlie Chaplin
En el semestre pasado realicé una exposición sobre el lenguaje audiovisual y fue cuando me encontré con el cine mudo, siento este mi primer acercamiento a este arte. The Kid de Charlie Chaplin nos muestra la historia del abandono de un niño por parte de su madre; un vagabundo lo encuentra y se lo lleva con él, lo cría y educa a sus posibilidades hasta que el niño cumple cinco años, a esta edad la autoridad llega a su casa y le intenta quitar al niño trayendo consigo una pelea entre el policía y el vagabundo, al final el vagabundo logra recuperar al niño y quedarse con él. Esta película es un claro ejemplo de lo que debe ser el cine mudo, cuando la ví no pude contener mis lágrimas en algunas escenas; es increíble la forma que tienen los actores para transmitir tantos sentimientos sin decir una sola palabra, sólo haciendo uso de sus gestos y actuación (acompañada de música de fondo). La manera en la que los directores de cine mudo tenían que transmitir un mensaje sin el uso de la voz, los llevó a comunicarse mediante otro tipo de lenguaje: el lenguaje corporal, en la vestimenta de los actores, el lenguaje musical, etc.
Esta película me parece tan buena, y no es para menos viniendo de uno de los mejores creadores del cine silente como lo es Charlie Chaplin.
Diego:
EliminarGracias por su comentario:
Sin duda la cinta que refiere es una obra entrañable por buena parte de lo que usted destaca, subrayando la calidad histriónica de quienes sin emplear más que el lenguaje corporal, son capaces de hacer de nuestra emoción una experiencia sublime.
Saludos
Película: Nosferatu
ResponderEliminarLa obra Nosferatu, es una película alemana de terror estrenada en 1922, dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau. La historia contada, es sobre un agente inmobiliario que es enviado a Transilvania para vender una propiedad. Cuando Hutter (el vendedor), descubre que el comprador, Orlok, es un vampiro; busca la manera de detenerlo, pues la vida de él, de su esposa y la del pueblo, está en riesgo.
En la década del siglo 20, el cine mudo estaba en su “punto”, y el hecho de que no hubiera tantas técnicas y tecnologías para la realización de obras cinematográficas, hacía que los directores experimentaran diversas estrategias para poder lograr el objetivo principal: contar una historia.
Me doy cuenta, que los actores, para poder representar y contar la historia, necesitaban realizar gestos y movimientos “exagerados” y expresivos (a comparación de las actuaciones de ahora) para poder dar a entender lo que se buscaba. El asombro representado con el salto y las manos a la boca junto con las cejas levantadas, el llanto con la cabeza hacia abajo y la espalda muy doblada, o el susto con la boca abierta, las manos a la altura de las mejillas con el movimiento de cabeza de un lado a otro como si se estuviera temblando, son algunas de los tan característicos gestos que se pueden encontrar en las películas mudas.
Por otro lado, me queda claro, que con la ausencia de diálogos orales; la música y los efectos sonoros cobran el doble de la importancia que ya tienen. Pues en las películas mudas, son las únicas responsables en crear el ambiente y la atmósfera buscada, auditivamente hablando.
La falta de tecnología en esa época, orillaba a los cineastas a buscar diversas técnicas y trucos para poder realizar lo que tenían en mente; en el caso de Nosferatu, la caracterización del vampiro es creada únicamente con maquillaje y con una prótesis dental; cosa, que en la actualidad muchos directores recurrirían al uso de la digitalización y/o equipos de maquillaje o trajes mucho más elaborados.
En el contexto sociopolítico, el auge del nazismo en Alemania en la década de 1930, llevó a la destrucción de muchas obras de arte consideradas “degeneradas”, incluyendo películas mudas. Sin embargo, Nosferatu sobrevivió a la censura y destrucción, volviéndose ahora, una clásica obra maestra del cine de terror y del cine mudo.
Giselle:
EliminarGracias por su comentario.
Sin duda Nosferatu es una obra cumbre del expresionismo alemán, una escuela que definió buena parte de la estética del cine de horror y ciencia ficción. Es cierto, es sorprendente la calidad actoral de quienes en aquel cine trabajaron, pues lograron conectar con una audiencia que en ausencia del diálogo pero el empleo de música (casi siempre en sala), vivían situaciones emocionales diversas.
Saludos
Comentario por Fontán Simón Valeria:
ResponderEliminarDentro del cine mudo, la película “Tiempos modernos” es un ejemplo de cómo se desarrollan distintas técnicas del cine mudo, en el que podemos identificar Las herramientas que utilizaban para expresar y comunicar una historia.
Como podemos observar una de las principales características es que los personajes que la conforman no tienen un diálogo tal cual, si no que toda su expresión es corporal, por lo tanto es evidente que todas las acciones que realizan son exageradas dramatizadas y enfatizadas.
Como complemento la película tiene efectos de sonido especiales, los cuales ayudan mucho a la ambientación de la película, por ejemplo, cuando el personaje principal está en una citación de estrés o de apuros escuchamos que estos sonidos de ambientación suelen ser más rápidos o con melodías mas variables. Estas melodías, ayudan a que puedas interpretar de una manera más clara las emociones que el personaje quiere transmitir.
Otro de los factores que tienen en la película para ayudar a expresar son líneas de texto, que cubrían toda la imagen antes de ver la escena, estos ayudaban a una mejor comprensión de lo que sucedía en un momento en específico.
En este cortometraje de Charles Chaplin, a grandes rasgos podemos decir que es una película que habla de una historia donde la persona principal pasa por situaciones de apuros y complejas, después encuentra a una mujer que pude interpretar como su pareja. Estos dos personajes buscan un fin en común, el cual era encontrar una casa para tener una vida juntos y tranquila.
Sin embargo, si profundizamos más en esta historia que Charles nos muestra, notaremos distintos puntos importantes a destacar.
En las primeras escenas, Charles interpretó a un trabajador de una empresa de producción, la cual estaba a cargo de un señor que solo pedía que los trabajadores aumentaron la velocidad de sus actividades. El jefe demandaba cada vez más trabajo, desde mi perspectiva quiso representar una explotación laboral, la cual podía costar la salud de sus trabajadores.
Conforme la historia avanza, el personaje principal se enfrenta a muchos problemas, los cuales como resultado por un error termina en la cárcel. Al salir de la cárcel, conoce a su pareja, ahora los dos buscaban salir adelante para cumplir su objetivo.
El siempre intentaba cumplir con los trabajos que le daban, pero al final por falta de conocimientos o razonamientos, siempre terminaba fallando en sus labores y volvía a la cárcel. Esto se repetía en cada ocasión, pero también cada vez que el salía de la cárcel, su pareja esperaba por él para volver a intentar.
En lo personal considero que Champlin quería transmitir distintos mensajes con esta película, como por ejemplo:
Al inicio, la explotación del empresario con sus trabajadores, podemos interpretar la explotación de los obreros sin importarles su salud.
Después,al ver intentar al personaje principal cómo cumplía con cada trabajo pero al final siempre fracasaba, puede ser interpretado en cómo es que para distintos trabajos se necesita un conocimiento y razonamiento para poder hacerlo de manera correcta.
Finalmente, el compañerismo y cariño entre el persona principal y su pareja siempre estaba presente, así que se asemeja a una lealtad y compromiso con ellos mismos.
Sin olvidar destacar el final, ambos terminaban en la misma situación de siempre, esto no importaba porque ambos estaban juntos.
Sin duda esta película me demostró cómo podemos transmitir un mensaje aunque no usemos un guion de palabras.
Con relación a la comunicación notamos que podemos contar con muchas herramientas para dar a expresar una opinión o tema, que no hay un límite de ideas, siempre habrá otra alternativa.
Valeria:
EliminarGracias por su comentario.
Habría que aclarar un par de cosas. No es un cortometraje, sino un largo metraje por el tiempo de duración. Por otro lado, es importante señalar que los efectos a los que usted refiere, fueron incorporados posteriormente, pues la primera cintar sonora fue El cantante de jazz, algunos años después de Tiempos modernos.
Hecho el apunte, considero que ha hecho una muy buena selección al ser esta cinta, una de las grandes obras de Chaplin, quien -como usted dice- lograr transmitir el sentido de la historia, pese a carecer de sonido.
Saludos
La película que quiero exponer en mi comentario es sin duda alguna Tiempos Modernos, un clásico del cine, además de que es una de mis películas favoritas del maestro Charles Chaplin. Quiero comenzar haciendo una pequeña sinópsis de la película para entrar en contexto: Tiempos Modernos es una película de cine mudo escrita y dirigida por Charles Chhaplin, de la cual se cuenta la historia de un hombre que busca la manera de generar para poder sobrevivir. Pasa por muchos y diferentes tipos de trabajo (como es vigilante de centro comercial, ayudante de mecánico, etc) Incluso termina en la cárcel por estar enmedio de una manifestación por accidente. Accidentalmente conoce a una huerfana y él se encariña de ella, lo cual se vuelve un motivo para poder alcanzar la meta de tener un sustento ya no solo para él, sino también para la huérfana. La película se encuetra desarrollada en una época en donde la sociedad se estaba transformando (haciendo referencia a la Revolución Industrial), donde se estaban sufriendo cambios en tanto a la Ley del Trabajo, nos ilustra cómo pudo haber sido de complicada la vida en ese contexto histórico debido a explotación laboral, los derecchos del trabajo en esa época, la deshumanización en la línea de producción y el comienzo a la modernidad. Creo que lo más memorable que quiero resaltar es la continua lucha por tener un sustento pese a todos estos grandes obstáculos, la responsabilidad que él se imponió tras conocer a la huérfana para salir a delante él y ayudarla a ella también.
ResponderEliminarLa película esta desarrollada en un contexto historíco en el que se comenzaba la Revolución Industrial, la entrada de la modernidad, nos cuenta cómo se impactó en la vida de las personas que vivieron en esa época de cambios. Me resulta facinante el tema que aborda la película combinado con la comicidad que caracterizaba las películas de Chaplin, pese a ser una película de tema "crudo", la manera en la que llega la historia al espectador es facinante, los elementos que se manejan en tanto a sonido (a pesar de que es una película muda), a la iluminación (a pesar de ser una película a blanco y negro), las imagenes y hasta lo más minimo que se presenta, nos hacen encariñarnos con los personajes, empatizar con ellos y hasta analizar lo que estan viviendo y sintiendo. Precisamente esto es lo que creo que tiene que ver la experiencia educativa con la carrera de ciencias de la comunicación: el cine tambien puede ser un vehiculo para transmitir mensajes como en cualquier medio de comunicación (apesar de ser un arte). El manejo de las herramientas de producción, guión y dirección para dar el mensaje que se quiere dar de manera correcta y generar un impacto en la audiencia/espectador, cero que eso es lo que relaciona al cine con la carrera, ya que como futuros comunicadores, debemos saber emplear estas herramientas correctamente para poder impactar en la audiencia. También quiero mencionar que siento que se relacionan este tipo de peliculas con contexto histórico con el periodísmo, ya que nos informan (aunque de manera diferente) lo que ha pasado en determinado periodo de tiempo.Nosotros como cominicologos, considero que es importante el que podamos decifrar y saber el significado de cada elemento que nos presentan en el cine, ya que también podemos aventurarnos a entrar al mundo de hacer cine siendo comunicólogos, puede ser una herramienta importante, tanto como lo son los medios de comunicación convencionales (TV, radio, periódicos, etc). En fin, para concluir mi participación, quiero destacar la importancia del cine silente, a dejado huella en la historia del cine, ya que gracias a el comenzaron a definirse los diferentes estilos y géneros del cine, se puede decir que fue el inicio de éste arte.
ANJA CARO SASTRÉ
La película muda fue Safety Last!, interpretada por Harold Lloyd, interesante el titulo y confuso al principio ya tenía dos formas en su traducción, como es "El hombre mosca" o "La seguridad es primero", conforme iba viendo y analizando, diría que se acercaba más a la segunda ya que priorizaba la parte de la seguridad y evitar accidentes, laborales. está película se presentó extraordinariamente, lo digo por toda la excelente preparación e interpretación, era amena, entretenida sin decir más que unas cuantas frases y la historia interpretada de forma exagerada, expresiva y con un humor para nada ofensivo y no salido de contexto, en cambio era entretenida, yo no pensaba que eso detalles que se encontraban se pudieran hacer presentes en dichas películas mudas; pensaban que solo era música y movimientos, es la primera película de silent que he visto y mis expectativas se elevaron y superaron esta joyita de película, ahora entiendo la escena del reloj y que se manifestó como una de las primeras películas de acción y un ligero toque de suspenso por parte de la atmósfera musical que despierta tus sentidos y todas las maniobras que realizaban como escalar el dichoso edificio considerando algo arriesgado y digno de la excelente interpretación, en lo visual las tomas eran necesarias para darte el apoyo de la imaginación e interpretación efectiva de las escenas.
ResponderEliminarEl personaje principal es "El chico" (Harold Lloyd) que se presentó siendo una persona algo distraída y con la esperanza de que con este viaje, llegaría a cambiar su estilo de vida y casarse con la chica que amaba, "La chica" (Mildred D.); pasaron los primeros meses y se le ve trabajando como dependiente de un gran almacén de telas, donde tiene que hacer varias acrobacias para librarse del jefe de sala, que era intachable y recto el "Sr. Stubbs" (Westcott C.), comparte una habitación alquilada con su amigo "Limpy" (Bill S.), un trabajador de la construcción y con una cartera generalmente bacía que más adelante tuvo problemas con un policía y descubrimos que es alguien habilidoso trepando muros. Harold había estado ocultando su falta de éxito enviando a su novia regalos caros que realmente no puede permitirse, ella creía erróneamente a través de las cartas que su futura pareja tenía el éxito suficiente como para mantener una familia y toma un tren para reunirse con él. Harold sorprendido por ella en cierta forma la engaña actuando como si fuera una autoridad en dicho almacén, por sus errores y mentiras se le ve obligado a buscar la manera de erradicar la mentira y se le manifiesta en una propuesta para publicitar el almacén con la oferta de $1000 dólares para cualquier empleado que pueda atraer clientes el negocio. Lloyd se acuerda del talento su amigo Bill y convence a su jefe con un truco publicitario que consistía en que un hombre suba el edificio de 12 pisos; llega el día del acto y Bill es perseguido por el mismo policía de su primera persecución, lo que obliga a Lloyd a hacer el truco por su cuenta, subiendo y encontrando muchos obstáculos y Bill siendo perseguido por el policía en el interior del edificio y dando ánimos a su amigo para que en el siguiente escalón el fuera a sustituirlo y observamos incluso la escena del que Harold se cuelga del Reloj que a su vez se desprendía, dando un trama de inquietud por el qué pasará y si sobrevivirá.
Dirección: Fred C. Newmeyer y Sam Taylor
Ayudante de dirección: Robert A. Golden
Historia: Hal Roach, Sam Taylor y Tim Whelan
Fotografía: Walter Lundin
Editado por: T. J. Crizer
Guión: H. M. Walker, Jean Havez y Harold Lloyd
Música: Carl Davis, Don Hulette
Técnicos: Fred L. Guiol, C. E. Cristensen y J. L. Murphy
Reparto: Harold Lloyd (The boy), Mildred Davis (The Girl), Bill Strother (The pal), Noah Young (The law) y Westcott Clarke (The floorwalker).
Buen dia, adjunto mi comentario de la actividad, soy Nora Aponte.
ResponderEliminarLa película "Metrópolis" en lo personal, es mucho más que una simple película si no que es una obra de arte cinematográfica que sigue siendo relevante y poderosa incluso casi un siglo después de su lanzamiento. Su innovadora cinematografía, su compleja narrativa y sus temas atemporales la convierten en una de las películas más influyentes de la historia del cine.
Desde el punto de vista cinematográfico, "Metrópolis" destaca por su impresionante diseño de producción y efectos especiales, que crean una visión futurista y distópica de la ciudad. Los sets monumentales y detallados, como los rascacielos de Metrópolis y los laberínticos túneles, son impresionantes en su escala y contribuyen a la atmósfera opresiva y monumental de la película. Además, la utilización de la iluminación y la sombra por parte del director de fotografía, Karl Freund, crea una estética visualmente impactante que subraya los contrastes entre las clases sociales y enfatiza el tema de la dualidad presente en la película. Dirigida por Fritz Lang, esta película es un clásico del cine de ciencia ficción y un hito en la historia del cine. Se desarrolla en una futurista ciudad distópica y aborda temas de clase, tecnología y humanidad. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases: los ricos con el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en un gueto subterráneo, donde está el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse. (FILMAFFINITY) En términos narrativos, "Metrópolis" es una historia épica que aborda temas universales como el amor, la lucha de clases y la redención. La trama se desarrolla en múltiples niveles, con giros inesperados y complejas relaciones entre los personajes. El uso de simbolismo y metáforas visuales, como la representación de la máquina como un ídolo, añade profundidad y complejidad a la historia. En mi opinión esta nos puede hacer alusión a la industrialización y la explotación a las personas o los trabajadores, también como cualquier historia nos hace hincapié a la división de la clase alta y la clase de los obreros. Antes de ver 'Metrópolis', no estaba muy familiarizada con el cine silente, generalmente, tiendo a ver otros géneros cinematográficos. Sin embargo, debo admitir que me sorprendí mucho y quedé maravillada con este estilo de cine. La forma en que la película transporta al espectador a un mundo distópico y futurista sin la necesidad de diálogos hablados me dejó completamente impresionada. Por ultimo debo decir que la pelicula no solo ayudo al cine en ambitos tecnicos, si no que tambien la forma en que te deja reflexionando sobre las cuestiones sociables que sucede, sin duda es bueno que hasta hoy en la actualizad sea una obra.
La película que yo voy hablar es “Tiempos Modernos” de Charles Chaplin es una pieza icónica en la historia del cine, realizada en 1936, esta película no solo representa uno de los últimos grandes filmes del cine mudo, sino que también se destaca por su crítica social y su innovación técnica, llegó en un momento de transición hacia el cine sonoro, pero Chaplin optó por mantener la esencia del cine mudo, utilizando intertítulos, efectos de sonido y música sincronizada para contar su historia.
ResponderEliminarLa película sigue a un trabajador de fábrica, interpretado por el propio Chaplin, quien se enfrenta a las adversidades de la vida moderna y la industrialización, atrapado en la monotonía y el ritmo implacable de la línea de ensamblaje, su salud mental comienza a deteriorarse. Después de una serie de eventos desafortunados, se encuentra con una joven huérfana, y juntos intentan encontrar estabilidad y felicidad en un mundo industrializado que parece no tener lugar para ellos.
A través de una serie de eventos cómicos y desafortunados, Chaplin critica la deshumanización en el trabajo y la sociedad. Técnicamente, la película es notable por su uso creativo de efectos sonoros y visuales para realzar la narrativa, manteniendo al mismo tiempo la estética del cine mudo, se usa el humor y la sátira para abordar temas serios, lo que hace que la película sea accesible y a la vez profunda, se exploran temas de alienación, pobreza y la lucha por la dignidad humana en el contexto de la Gran Depresión. La película desafía la noción de progreso a costa de la humanidad y resalta la importancia de la resistencia y la adaptabilidad humanas.
ofrece un estudio rico en el uso del lenguaje visual para contar una historia y pueden transmitir mensajes poderosos sin necesidad de palabras. Esta película es un testimonio de la habilidad de Chaplin para combinar técnica, narrativa y mensaje social de una manera que sigue siendo relevante hoy en día.
Un saludo profesor y compañeros. Mi nombre es Denice Pablo Martínez y aquí dejo mi comentario.
ResponderEliminarLa película que elegí ver del cine mudo es “The Lodger” o conocida también como “El inquilino”, dirigida por Alfred Hitchcock. La cual nos cuenta la historia de una serie de asesinatos ocurridos en Londres. Una pareja de adultos mayores le renta una recamara de su casa a Jonathan, quien se convierte en su inquilino y que poco a poco la trama lo hace parecer sospechoso de los asesinatos a mujeres rubias, pero también la historia de la película juega con la intuición del espectador ya que el inquilino con el paso de su estancia en la casa de los Mrs. Bunting se va enamorando de su querida hija Daisy, quien es novia de Joe, un detective que está dedicado a encontrar al asesino que se hace llamar “vengador”. La trama va dando vueltas entre escenas que hacen sospechar del inquilino, las tomas, la actuación y la música de fondo hacen sentir al espectador en constante suspenso, en constante alerta ante cualquier detalle que se pueda presentar en escena y es de lo que más me gustó, creo que era lo que quería transmitir el director. La historia se entiende muy bien de principio a fin sin la necesidad de diálogos, incluso los actores hacen demasiados gestos y es fácil crear las conversaciones de lo que pudieran estar diciendo con exactitud.
Por otro lado, la película tiene una escena en particular que me pareció increíble para el año en que salió, es ya casi al final de la película cuando Joe (el detective) se encuentra sentado en una banca de la calle, mira hacia el piso y se encuentra con una huella y dentro de esta se ve pasar una serie de imágenes. Es algo muy creativo para ese entonces y no sé qué tan difícil haya sido de hacer, pero es una escena que a mi me sorprendió, no me esperaba algo así. También hay tomas que resaltan mucho, como cuando se muestra al inquilino caminando desde un plano contrapicado a través de un cristal para simular verlo desde la planta baja de la casa que arrendaba. Otra toma es cuando va bajando las escaleras el inquilino y se ve una perfecta armonía de la estructura de las escaleras en un plano cenital. A pesar de que no hay mucha variedad de lugares escénicos, la película lleva un ritmo tan rápido que no se vuelve aburrida.
Para finalizar, creo que el cine es un mundo tan increíble de explorar que nada muere dentro de él realmente, la creatividad resurge constantemente. Lo podemos notar con el cine mudo, las primeras películas no tenían un solo dialogo y hoy tienen hasta CGI increíbles pero vuelvo al hecho de que el cine es un lugar donde nada muere, pues recientemente el cine mudo ha vuelvo a las pantallas como lo es la película “Nadie Podrá Salvarte” de Brian Duffield, que cuenta una historia sobre extraterrestres y no tiene ni un solo diálogo. Así que es interesante pensar en como es que estas ideas creativas se vuelen a retomar.
El estudiante novato (The freshman, 1925)
ResponderEliminarLa película que elegí fue “El estudiante novato” (Fred C. Newmeyer, Sam Taylor), protagonizada por Harold Lloyd; una película interesante, divertida y un poco absurda. En la actualidad este tipo de tramas las podemos ver muy seguido en novelas de televisión y también en películas, pero de forma más profunda; a pesar de ello el cine silente marcó y logró transmitir mensajes cargados de sentimientos aún si los personajes no hablan, la musicalización es un complemento muy importante para ello. Aunque podemos ir leyendo algunos diálogos, sabemos por las acciones de cada personaje que es lo que está pasando y eso es un gran ejemplo de lo que una comunicación no verbal puede hacer.
La historia se centra en Harold Lamb (Harold Lloyd), un chico que está por iniciar la universidad y que quiere llegar a ser tan popular y querido como el capitán del equipo de fútbol, sin embargo, sus intentos de querer encajar provocan que sea ridiculizado por sus compañeros y que en su inocencia no se percate de ello hasta que en un intento de defender a Peggy (Jobyna Ralston) - una chica que conoció en su viaje por tren y de la cual se enamoró - de uno de sus compañeros, este le restriega la verdad del porque le seguían la corriente, pues solo era para burlarse. Su perseverancia, espíritu y frustración por querer demostrar lo que realmente podía llegar a ser, le llevan a participar en el partido de fútbol donde ganan gracias a él.
Investigando un poco de esta pieza cinematográfica puedo rescatar que, para la creación de esta película, se inició primero con la historia del personaje para conocer cuales circunstancias lo habían llevado hasta la escena del partido de fútbol, ya que Harold quería repetir la misma técnica que con la cinta “El hombre mosca” (1923), donde primero se filmó la escena del reloj para después darle una historia. También en este largometraje se comenzaba a alejar del estereotipo de cómico slapstick donde la torpeza y los golpes físicos divertían al espectador, ahora el personaje tiene más profundidad, sentimientos, vivencias y necesidades. Esta película nos demuestra que desde años existe esa necesidad de querer pertenecer a un lugar, de querer ser alguien importante y destacado, donde la popularidad da lugar a beneficios y me parece maravilloso que lo retraten en una película donde ya en ese momento te decían que es mejor demostrar quien realmente eres y no pretender ser alguien más.
Otro dato curioso que encontré en la red sobre esta cinta es que en la escena del partido que se supone era la más importante, Harold decidió no alargarla tanto, solo lo necesario para darle un final feliz a Harold Lamb; la grabación de las escenas del público en el partido fueron tomadas de un partido real, por eso cuando muestran escenas dentro del campo se muestra vacío en algunas partes.
Me llevo como aprendizaje que la comunicación está por todas partes y es importante saber cómo utilizarla, el cine silente es una prueba de ello y realmente es un arte muy hermoso. En lo personal no me gustaba este tipo de cine, porque me daba un poco de miedo y angustia al ver las escenas con solo música y movimientos exagerados, pero al analizar con profundidad me di cuenta del trabajo que realmente hay detrás de cada escena y de las historias.
Historia de: Sam Taylor, Ted Wilde, John Grey, Tim Whelan
Productora: The Harold Lloyd Corporation
Buena noches profesor, soy Juan Antonio.
ResponderEliminarLa película que voy a comentar y analizar es "Nosferatus" de F.W. Murnau. Decidí verla puesto que el director Robert Eggers lanzara este año la adaptación de la película anteriormente mencionada. Tenía mis dudas al ponerle play, pues al ser una película muda medite si en verdad me causaría miedo o intriga como las películas de terror de la actualidad. Que equivocado estaba. Nosferatus es una de las mejores películas de terror que he visto; la muisca y la fotografía me han parecido magnificas, te dejan sumergido en su atmosfera inquietante y perturbadora durante todo el largometraje, y no se van de tu cabeza aun terminada la película, en especial la música. Cabe destacar igualmente la excelente escenografía, maquillaje y vestuario, además de la actuación de Max Shreck como el vampiro Nosferatus, la cual es una de las más icónicas y aterradoras de la historia del cine.
La historia trata sobre un vendedor de bienes raíces llamado Thomas Hutter, el cual es enviado a Transilvania para cerrar un trato con el conde Orlock para la venta de una finca, la cual está ubicada enfrenta de la casa de Huttler y de Ellen, su esposa. Pero lo que no saben es que el conde es un vampiro sediento de sangre.
En lo personal, yo me quedaría con el apartado técnico, sonoro y escenográfico del largometraje, puesto que todo junto forman una película que, siendo muda, lograr impactar y sorprender hasta el día de hoy.
Director: F.W. Murnau
Escritores: Bram Stoker y Henrik Galeen
Departamento artístico: Albin Grau
Cinematografía: Fritz Arno Wagner y Günther Krampf