Umberto D. (1952)

 La obra maestra de Vittorio De Sica, es probablemente el punto más alto y desgarrador del neorrealismo italiano. Aquí analizamos la violencia lenta y silenciosa de la indiferencia social hacia la vejez.

 

El espacio como cárcel:

En el filme se utiliza una composición estática y opresiva. Los planos suelen ser cerrados cuando Umberto está en su habitación, subrayando su asfixia económica y emocional. A menudo vemos a Umberto en primer plano mientras el mundo sigue su curso al fondo, ignorándolo. La ciudad de Roma no es un escenario turístico, sino un monstruo de piedra y ruido que no tiene espacio para los que ya no le son útiles al sistema de producción. La famosa escena de la sirvienta preparando el café por la mañana es neorrealismo puro.

Los personajes son representantes de la ciudadanía Italiana en la posguerra, pues en ello no vemos solo personas, sino arquetipos de una sociedad que intenta olvidar su pasado:

·        La casera representando la nueva burguesía despiadada. Ella quiere generar a toda costa con su casa, deshacerse de lo viejo (Umberto) para dar paso a lo nuevo y seguir sacando provecho, como una Italia que quiere borrar las huellas de la guerra a costa de la humanidad.

·        La sirvienta siendo el espejo de Umberto. Joven, embarazada y sin futuro claro pero lleno de posibilidades aún, representa la incertidumbre de la clase obrera. Su interacción con Umberto es sutil y funcional; no hay grandes diálogos de consuelo, solo una mirada compartida de dos seres atrapados en el mismo desmorone.

·        El perrito quien más que una mascota, es la extensión del alma de su dueño. Es el único vínculo que lo mantiene unido a la dignidad y le da vida, el representa la lealtad pura en un mundo que se ha vuelto transaccional, básicamente es todo lo que le queda a él y al cachorro también, a ambos les han dado la espalda y en otro contexto podrían ser desecho (como lo deja ver la escena de la perrera).

 

El punto de giro más doloroso ocurre cuando el protagonista intenta pedir limosna, ahí es su punto más bajo y donde se vuelve totalmente invisible a la sociedad, el momento en que extiende la mano y luego la voltea pretendiendo que solo estaba comprobando si llovía es una de las metáforas más potentes sobre la vergüenza y el orgullo. Esto nos obliga a ver lo que pasaba con tantas personas después de tantos años de trabajo, no había derechos ni retiro, había miseria y a nadie le gusta admitir que es miserable por ende tragaba su propia hambre.

 

Las vías del tren:

El intento de suicidio fue la parte donde Umberto ya había desistido tras tanto dolor y olvido, al no encontrar soluciones decide irse no sin antes llevarse a su único ser amado, pero es la reacción del perro (reaccionando a su instinto de supervivencia) lo que lo devuelve a la realidad y ahí pasa algo más profundo, el perro deja de confiar en él y en el arrepentimiento de su amo, no solo hay perdón y confianza de nuevo, sino el inicio de una nueva oportunidad para ambos, dando un final vitalista. Quizá no se soluciona su pobreza, pero recupera su propósito. La última escena de ellos alejándose en el parque muestra que, aunque el sistema lo haya abandonado, su humanidad permanece intacta, así como los niños del parque por primera vez son ellos mismos y ya.

Conclusión:

Lo más valioso de la cinta es que no necesita villanos para mostrar problemas, el posible villano es simplemente la falta de empatía colectiva y un sistema injusto. Me parece fascinante cómo logran que un perro sea el ancla moral de toda una nación y al final, no lloras por la pobreza de Umberto, lloras por su soledad, y eso la hace una obra mucho más universal y atemporal que cualquier drama contemporáneo. Es cine crudo, sin filtros, que te obliga a sentir el peso de cada moneda que falta en el bolsillo.