Este es un espacio de aprendizaje para quienes cursen la Experiencia Educativa Análisis cinematográfico de la licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la UV.
El cine de culto agrupa a aquellas películas que suelen ser consagradas por un grupo de espectadores que han encontrado en algún filme una serie de elementos que las convierten en un atractivo cultural. Regularmente son producciones cinematográficas que -no necesariamente- se caracterizan por su valor artístico, sino por mostrar o contar con elementos narrativos que resultan extraordinarios en lo político, ideológico o cultural.
Y aun cuando puedan llegar a ser difíciles de definir, si es verdad que son relativamente fáciles de distinguir. En las llamadas cult movies, pueden encontrarse películas de cualquier género: de terror, de acción, musicales, entre otros, pues sin importar su clasificación, hay algunas cintas que terminan por pasar a formar parte de un territorio de consagración en donde intervienen los propios espectadores.
A partir de estas consideraciones, es que se ha decidido ver El hombre de mimbre (Hardy, 1973, en la que se narra la historia de un policía que se apersona en una isla inglesa para investigar la desaparición de un ciudadano en extrañas circunstancias; pesquisa que lo conduce hasta un culto pagano que prácticas algunos isleños.
Thriller psicológico en el que el horror va de la mano de una serie de apuntes sobre mitos y creencias alrededor de las culturas originales, donde su director se da tiempo también de abordar aspectos sobre la sexualidad y la condición de género.
The wicker man Es una cinta que ha pasado, es una cinta que ha pasado a formar parte del cine de culto.
Para esta actividad, en esta ocasión volvemos a blog del curso, para que tomando como punto de referencia una estructura básica en el análisis de una películ (introducción, desarrollo, conclusión y epílogo), tú mismo decidas sobre qué quieres centrar tu atención.
El texto debe tener una extensión de 700 palabras como máximo.
El cine animado hecho en Japón o anime, es una estilo y técnica artística para la realización de películas animadas que encuentra sus orígenes en los inicios del Siglo XX. Si bien es cierto el trazado de sus imágenes ya tenía en el manga un antecedente y fórmula muy depurada, las posibilidades que le dio el arte cinematográfico permitió que la gente -con una trayectoria importante en la industria de la historieta-, diera el salto al séptimo arte para encontrar en el cine los recursos tecnológicos que favorecieron la animación y, con ello, la búsqueda y definición de un estilo que parte de las fórmulas occidentales, pero al cabo del tiempo, desarrollaría el estilo que caracteriza a este arte e industria nipona.
Pronto vendrían el desarrollo de cortometrajes animados, lo que terminaría por dar la posibilidad para su exportación a occidente. De allí, el salto a un contexto internacional vendría de la mano con la constitución de productoras dedicadas exclusivamente a la producción del anime.
Sin embargo, sería ya avanzado el siglo XX cuando habría una explosión comercial y cultural de la industria que impactaría a la industria del entretenimiento en todo el mundo, con especial presencia en exhibiciones, muestras y festivales internacionales de cine, los cuales se sentirían atraídos por una propuesta artística que atrajo al público interno para después hacerlo con el externo.
Una de las primeras experiencias internacionales que colocó al anime en un grado de consagración, fue Akira (Otomo, 1988), una historia futurista que se alimenta del manga y algunas de las fórmulas del cine norteamericano; a partir de allí títulos y realizadores fueron ganando fama internacional y consagrándose como los representantes de una industria en constante desarrollo.
Llegaría con ese consagración la cinta Perfect blue (Kon, 1997) en la que se narra los avatares de una cantante de un grupo musical que, tras el fracaso en las ventas de sus discos, decide probar como solista, despojándose de aquella imagen de niña que la distinguía. Sin embargo, el resultado dista de ser lo esperado, pues el despojo de una identidad primaria la coloca en un estado de vulnerabilidad como artista y ser humano tiene, al reconocer que la vida misma queda en vilo y con ello los dilemas, las tensiones, las contradicciones propias de una jovenes que ve trastocada, sacudida y desdibujada su propia intimidad y condición humana, al verse acechada por el papel que comienzan a jugar las tecnologías.
En ese contexto, te invitamos a que veas esta película y te permitas realizar la actividad, misma que debe apegarse a los siguientes criterios:
a) Consulta en EMINUS 4.0 las fuentes que se te comparten para conocer más sobre esta industria y tu participación en este ejercicio analítico más informado.
b) Luego ve la película y participa del debate que se ha programado en el foro de EMINUS, en donde tendrá ocasión de ser parte de una mesa de análisis virtual.
c) Como complemento a este ejercicio, se te invita a elaborar un cartel en donde abordes los siguientes aspectos:
1) Breve reseña del anime.
2) Sinopsis de la película.
3) Análisis de la trama en donde presentes datos relacionados con el autor: trayectoria y otras películas, información que podrá aparecer en el contexto de los diversos argumentos que sostengas a lo largo de este apartado.
4) Conclusiones del análisis, en donde destaques aspectos psicológicos del personajes principal, apuntes del contexto, como del tipo de narrativa empleado, para cerrar con un apunte que compare este estilo de animación con otros que conozcas.
d) El puntaje a alcanzar estará vinculado a la calidad de tu participación y el cumplimiento delos criterios que se establezcan.
Para la realización de tu cartel, puedes emplear Canva. Aquí su liga.
Darren Aronofsky (1969- ), es un director norteamericano que desde finales de los 90, con su película Pi, el orden del caos (1968), ha logrado construir una trayectoria que suele moverse en los márgenes del mainstream predominante. Esta que fuera su primera película, convocó la atención de propios y extraños por una trama que aprovechó la escala de grises para experimentar con una puesta en escena que pronto lo colocó en las pasarelas de los festivales más importantes.
Vendrían Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008) y El cisne negro (2010), para consagrar una carrera cinematográfico en la que alcanza un grado de madurez y reconocimiento por la forma en que aquella cinta le permitiera -una vez más- el recorrido por los festivales de cine, pero en esta ocasión con la gloria de hacerse de algunos de los principales premios: Globos de Oro y un par de Oscar, además de premios otorgados por los críticos de cine en Estados Unidos, incluyendo candidaturas a los premios BAFTA.
El cisne negro (Black Swan), es un drama psicológico con Natalie Portman (El perfecto asesino, 1994), A cualquier otro lugar (1999), Con V de Vendetta (2005), Jackie (2006), entre otros filmes, interpreta a una bailarina apasionada por la danza que está en el proceso de montaje de la obra El lago de los cisne negro de Tchaikovsky, pero tiene que lidiar con su acosadora madre; oportunidad que le permite al director aprovechar el universo dancístico y los grados de exigencia que la construcción de un personaje demanda en este arte, para mostrar la dualidad de la propia condición humana de un personaje que se debate entre ella y su yo mismo.
En esta ocasión, se te propone ver esta película, para lo cual se establecen los siguientes criterios:
Describir la trama de la historia en tus propias palabras.
Hecho esto, recupera de la lectura que aquí se te propone, para que definas el método que consideres es el más recomendable para el abordaje de esta película, explicando brevemente el porqué así lo consideras y haz una cita textual de la fuente en donde se hable de él.
A partir de allí, decide tú mismo la forma en que abordaras la película, en donde puedas destacar aquellos elementos narrativos, técnicos que se vinculen al tipo de análisis que has seleccionado y evidencia de lo que la lectura plantea al respecto de ese método.
En esta ocasión, el formato de entrega cambia y lo debes subir directamente a la plataforma de EMINUS 4.0 en una versión PDF.
Desde el estreno de Educando Arizona (Arizona Baby, Cohen, 1987), los hermanos Joel y Ethan Cohen han demostrado una manera especial de contar problemáticas humanas a través de las posibilidades que les da el cine, sus géneros y sus convenciones narrativas.
Si bien ambos tuvieron formas diferentes de llegar a la industria cinematográfica (Joel porque estudió cine y en sus inicios tuvo ocasión de asistir en la edición de algunas películas de terror, como por ejemplo Posesión infernal (Rami, 1981), el segundo, Ethan, quien estudiara Filosofía en la Universidad de Princeton, lo hizo con el primer proyecto fílmico de esta dupla: Sangre fácil (Cohen, 1984), donde fungió como productor), estos dos hermanos han oxigenado al cine desde su llegada.
A partir de aquella cinta, los hermanos Cohen, como son conocidos, han experimentado en todos los géneros cinematográficos: del thriller psicológico en Barton Fink (1991) al de gangsters con Muerte entre las flores (1994), pasando por la comedia negra al estilo El gran Libowtky (1998) hasta el extraño drama desesperanzador vividoen Sin lugar para los débiles (2007), se tiene un ramillete de filmes, algunos de los cuales han recibido reconocimientos en festivales internacionales, incluso el Oscar para el caso de la última mencionada, con 3 estatuillas, incluida Mejor Película y Mejor Director.
Es justo por estas y otras razones, que te proponemos ver la película Un hombre serio (2009), en donde los hermanos Cohen se dan la oportunidad de reflexionar sobre la condición del ser judío. En ella, un profesor universitario en los años 60 ve la forma en cómo su vida se va derrumbando poco a poco: abandonado y con un hermano desempleado al que acoge en su casa, tiene que acudir a un grupo de rabinos que le apoyen en la reorientación de su existencia; dilemas que permiten reflexionar sobre la vida y el valor o sentido que la religión puede tener en las personas.
En esta ocasión y a partir de lo que hemos visto en la última clases, sobre los recursos de significación, se te pide cumplir con esta actividad, atendiendo los siguientes criterios:
En el inicio traza los elementos básicos que permitan situar el contexto y la cultura donde se ubica la Trama.
A continuación, centra tu mirada en la vida del protagonista y sus dilemas para que describas en tus palabras el corazón argumental de la trama.
En el desarrollo de este apartado, aprovecha para apuntar sobre 3 símbolos y 2 metáforas que puedas descubrir a lo largo de la película, para que la analices y digas qué es lo que piensas puede significar en el contexto de la cinta.
Para la participación individual.
El estudiante que sea el primero en participar en el blog, es el que definirá la dinámica de participación, pues el siguiente tiene que leer el comentario, para hacer alguna observación sobre lo que ha dicho su compañero, para que así hasta llegar al último de los participantes, el primero se de la oportunidad de cerrar haciendo un comentario final sobre todo lo que se ha dicho.
El cine de acción uno de los subgéneros cinematográficos que encuentra su raíz en la ficción y que más atraen a las grandes audiencias del llamado Séptimo Arte, esto por el tipo de historias y el tratamiento que suele darle a sus propuestas, donde la adrenalina define un cierto toque que se vincula a la forma en que, el tiempo y el ritmo fílmico, va construyendo a partir del tipo de arquitectura propia de este cine, como también del toque que, el mismo director, le puede dar a su puesta en escena.
Desde aquellas películas que se atrevieron a salir a exteriores para que las calles citadinas fueran una suerte de personaje privilegiado del espacio geográfico que se construye en el cine, donde las acrobacias coreografiadas, los disparos más allá de lo razonable, los moquetazos puestos al servicio de una estilizada violencia, el cine de acción firmó parte de las fórmulas que lo caracterizan.
En ese contexto se te invita a ver la película que el grupo ha propuesto: El perfecto asesino (Besson, 1994), una cinta francesa que narra la historia de un asesino a sueldo, Leon interpretado por Jean Reno, quien vive un encuentro obligado con Mathilda (Natalie Portman), una niña que ha visto cómo su padre, un narcotraficante puesto al servicio de Norman Stansfield (Gary Oldman) un policía corrupto, es masacrada por él y sus secuaces; iniciando una relación que le permite a este asesino reinventarse a sí mismo a partir de la relación extraordinaria que tiene con esta infante.
Te proponemos que veas la película y que en tu comentario atiendas a las siguientes consideraciones:
Da la sinopsis general de la película.
Asume una mirada crítica para destacar aquellos aspectos técnicos vinculados al ritmo y al tiempo cinematográfico que en le cinta se manejan y describe la forma en que son empleados en el contexto de la trama.
Cierra tu comentario con aquello que te parezca destacable de la historia.
Imagen tomada de: https://www.creatividadinternacional.com/
Hay algunos especialistas que dicen que fueron los hermanos Lumiere quienes sentaron las bases de los llamados géneros cinematográficos primarios. Es decir, el documental y el de ficción. Al respecto del segundo, se dice que con su corto, El regador regado (1896) donde se muestra un pequeño gag y con ello la intervención del ingenio, la mente,el tratamiento para una historia que cambia lo que venían haciendo con sus llamadas vistas, los inventores del cinematógrafo.
Corto tomado de: https://www.youtube.com/
Con ello tenemos que entre La llegada del tren a la estación(1895), puede decirse da inicio el recorrido de lo que terminaría por conocerse como Séptimo Arte, son tiempos de exploración, no sólo por el desarrollo de un lenguaje en ciernes, sino también en el terreno tecnológico, pues se sabe que en sus inicios el cine tuvo ocasión de ir incorporando recursos que favorecieran su manufactura.
Así, hasta antes de la llega del sonido incorporado al cine, hubo la posibilidad de encontrar la forma de recrear esas historias que se presentaban en los recintos que ávidos de participar del nuevo espectáculo, por lo que a los textos que se mostraban en aquellas películas, en las salas se veían complementadas por un narrador, algún gramófono, incluso alguna pequeña orquesta.
Video tomado de: https://commons.wikimedia.org/
Fue con La secuencia del jardín Roundhay(Le Prince, 1888), cuando los historiadores -dice- propiamente nace el cine mudo, secuencia que reúne 52 fotogramas cuya duración es poco más de 4 segundos, reproducidos a 12 fotogramas por segundo. Esa es película que los especialistas consideran da inicio a este arte, aún antes que la presentación que hicieran Louis y Auguste Lumiere en 1895).
Sin embargo, sería ya en la década de los 20 del siglo siguiente, cuando el cine despunta y con ello vendría la participación de un puñado de realizadores que contribuirían a definir la época del oro del cine silente. Industrias como la francesa, la norteamericana, la alemana, son conocidas por el aporte que hicieron, así como directores y actores, quienes engrandecieron esta naciente industria.
Buster Keaton, Charles Chaplin, Harold Lloyd, Max Linder, fueron actores, incluso realizadores que definieron la comedia silente, en buena medida, pero también por su tratamiento a las historias, contribuyeron a definir los rasgos del drama. Junto a ellos, directores como David Griffith, Robert Wiene, Abel Gance, Fritz Lang o Sergei Eisenstein, entre otros, redondearon aquellos años cuando el cine pasó a ser un invento a un espectáculo y experiencias, para enriquecer las formas de entretenimiento de un público que comenzó a tener una relación diferentes con este medio.
En ese contexto, te invitamos a que tú mismo decidas qué película de la etapa del cine mundo quieres ver para realizar tu comentario para esta tercera actividad, que has iniciado en Lienzos y culmina de este blog.
Los criterios que se te piden para esta participación, son los siguientes:
Contextualiza tu comentario hablando de la importancia de esa película en el contexto del cine mudo.
Describe la sinopsis de la película, donde destaques también los nombres de su realizador y algunos aspectos técnicos que se consideran importantes en esta película.
Asume una postura crítica y señala aquello que en lo personal consideres importante en el contexto de tu formación disciplinaria y nuestra experiencia educativa.
El comentario debe tener una extensión máxima de 650 palabras.
Tras la contingencia sanitaria provocada por el Covid-19, una nueva generación ha sido testigo del cierre de complejos cinematográficos, no obstante, a diferencia de lo que vivimos muchos amantes del cine hacia finales de los 80, con el cierre de aquellas grandes salas tras el embate del mercado del video, el desarrollo tecnológico ha permitido mantener una oferta fílmica, si bien es cierto, poco parecida a la experiencia cultural y social que se vive en una sala de cine.
Como quiera que sea, las plataformas digitales, los canales Premium como los servicios streaming, han venido a modificar la experiencia en el consumo cinematográfico, pero también han ampliado el menú de posibilidades para disfrutar de nuevas como viejas películas.
Es justo en ese contexto, que en esta ocasión se te propone ver la película Splendor (Scola, 1989), una cita que aborda el papel que en la cultura, en las prácticas y hábitos de unos pueblerinos, tiene una sala de cine, la misma que sufre los embates de la modernidad y de una generación que le ha ido perdiendo el amor, el cariño, el aprecio a esa vieja sala.
Y es que hacia aquella década, en el mundo muchas salas terminaron por cerrar y con ello la pérdida de un espacio privilegiado para reinventar días y horas, para recrear vivencias y experiencias emocionales o sentimentales al amparo de una atmósfera en penumbras desde la que los aficionado al cine, se dejaban atrapar por las historias y los personas que le mostraba el llamado Séptimo Arte.
Si bien no es la única película que mira al cine desde adentro (De La noche Americana de Truffaut, 1973 a La Rosa Púrpura del Cairo, Allen, 1985; Cinema Paradiso, Tornatore, 1988, Fabricante de estrellas, Tortonatore, 1995, El artista, Hazanavicius, 2011) los apasionados del cine hemos tenido la oportunidad ser parte de un puñado de historias memorables, que han dado la oportunidad de reconocer el papel que en nuestras vidas ha tenido el cine, desde aquellos días de La llegada del tren a la estación, de los hermanos Lumiere.
Así que te proponemos veas esta película y a partir de ella, realices un breve análisis a partir de los criterios que aquí se presentan:
Escribe un comentario de la película, donde manejes el nombre de los actores y remitas a alguna de las películas donde pudieron haber participado.
En la última parte, da tu apreciación sobre la cinta y realiza un apunte sobre tu propia experiencia viendo cine.
La extensión del comentario debe ser de 500 palabras.
Si algo tiene el cine es lo mágico y su condición de medio de comunicación capaz de evocar y convocar historias que han venido anidando en el imaginario de sus distintos públicos desde aquel momento cuando en un café parisino, un grupo de personas hoy privilegiadas, tuvieron ocasión de conocer un invento que revolucionaría las experiencias de entretenimiento que hasta ese momento se conocían.
Si hay dos apellidos franceses que suelen recordar con nostalgia y reconocimiento quienes se pronuncian amantes del llamado Séptimo Arte, estos sería Lumiere y Méliés. El primero en referencia a un par de hermanos a quienes la histori del cine le conceder haber sido lo inventores del cinematógrafo, aun cuando para llegar a ello, hubo otras experiencias previas que permitieron la consagración de este invento por parte de George y Auguste Lumiere.
En el segundo caso tenemos a Georges Méliés, para muchos el padre del cine de ficción y fantástico, quien a partir de su amor al teatro y a la magia, llevó al naciente medio algunos de los recursos que le permitieron enriquecer algunas de las fórmulas que comenzaban a definir al cine.
Algunos de estos aspectos es posible ver en la película La invención de Hugo (Scorsese, 2012), cinta en la que se hace un homenaje a este genio de los inicios de la cinematografía y que te invitamos a ver para que disfrutes de una historia llena de magia y fantasía.
Para participar en este primer ejercicio, sólo te pedimos que hagas un comentarios en el que muestres la opinión que te ha merecido la historia y qué es lo que te pareció más significativo.
Recuerda que debes dejar el aviso de tu participación en Eminus 4.0
En la historia del cine, sin duda ha habido muchos momentos memorables que han llegado a representar un antes y un después en los más de 150 años del Séptimo Arte. Películas, directores, actores, han sido figuras para engrandecer y, en muchos casos, ennoblecer lo que el cine ha sido capaz de transmitir, de representar, de recrear en sus historias.
En esta ocasión haremos un repaso de aquellas películas que han dado cabida a secuencias que definieron la importancia del lenguaje cinematográfico cuando su director hecha mano de su oficio, de lo técnico, pero también de lo estético para construir un momento idílico, memorable, de ensueño, por la forma en que mostró un plano, un movimiento, una secuencia como recurso narrativo, plástico, estético que llevó a repensar las fórmulas o los cánones del lenguaje cinematográfico.
Por eso, hoy te proponemos que revises las ligas que aquí he
mos hecho, para que disfrutes y sumes a tu acervo cinematográfico algunos de esos históricos momentos.
Al ser una actividad académica, recuerda que debes pasar por EMINUS 4.0, particularmente en el foro, donde se ha programado la actividad y definido los criterios para cumplir con este ejercicio.
La Nueva Ola Francesa para algunos especialistas supuso el movimiento cinematográfico más radical por la forma en que los directores replantearon buena parte de las fórmulas que -entonces- caracterizaban al cine: de la iluminación a las formas en que la cámara hizo de la ciudad una protagonista y la edición supuso un punto de inflexión para definir la arquitectura narrativa en cada una de las películas de aquella época.
Resulta particularmente interesante la manera en que gente como Claude Chabrol, Jean Luc Godard, Francois Truffaut, Alain Resnois, Jacques Rivette, entre otros, voltearon a otras industrias para hacer visible a realizadores que consideraron estaban reinventando al cine. Los directores de laNouvelle Vague, iniciaron en la crítica de cine, lo que les permite desarrollar una acervo cinematográfico teórico que más tardes buscarían recrear en sus principales postulados, ya como directores de cine.
Tomando como referencia aquellos días agitados del 68 parisino, el director Bernardo Bertolucci (El último tango en Paris, 1972; El último emperador, 1987; Refugio para el amor, 1993; Belleza robada, 1996), realiza una cinta Los soñadores (2003) y aprovecha la oportunidad para contratar la historia de un par de hermanos aficionados al cine; lo que le permite realizar algunos apuntes sobre aquellos directores y el movimiento que definió al nuevo cine francés, ello en una historia que de descubrimiento por parte de tres personajes que encuentran en su confianza, lealtad como en su propia sexualidad, un espacio para reflexionar sobre el mismo mundo. Una película que también le sirve para homenajear la cultura francesa y su cine.
En ese contexto te proponemos ver esta cinta de uno de los grandes directores italianos, que en esta cinta desdobla una historia que vuelve a colocar a la condición humana en los umbrales del cuestionamiento. Para lo cual te proponemos conducir tu reflexión por los siguientes aspectos.
Sintéticamente cuenta la trama de la historia, comentario que debe llevarte a recuperar algunas cintas en las que pudieron haber participado los actores.
Centra tu mirada en la historia para recuperar tu propio gusto por el cine y encuentra en esto algún ángulo que te permita realizar un apunte sobre lo que ha supuesto el cine para nuestra cultura y la tuya propia.
Concluye tu análisis haciendo un apunte crítico o reflexivo sobre lo que la historia cuenta en términos del contexto que recrea.
Recuerda dejar tu huella en el sitio de EMINUS 4.0, desde donde te invitamos hagas este recorrido.
Tu comentario en este blog no debe ser mayor a 500 palabras.
El cine de autor comenzó a tomar notoriedad cuando un puñado de jóvenes críticos venidos a directores de cine después, hizo visible el papel que jugaba en la manufactura de una película, el estilo, el sello y, por supuesto, la participación en buena parte del proceso de realización, del director; destacando la creatividad para atreverse a trastocar las fórmulas y convenciones que caracterizan al cine, en especial a sus géneros.
Sin duda alguna, las industrias del cine en su conjunto y a lo largo de su historia, han contribuido a dar constitución a una pléyade de realizadores que han colocado su nombre dentro de este selecto universo: Hitchocok, Godard, Bergman, Buñuel, Fellini, Haneke, Burton, Andersen, Cronenberg, son algunos de estos cineastas que suelen ser referentes para comprender y dimensionar al cine de autor.
Si bien es cierto hay un predominio de lo masculino en la conformación de esta lista, para esta ocasión se te propone ver una película hecha por una mujer, quien con su película Divines (2016), llamó la atención por el tratamiento que a su historia da y con ello el reconocimiento como una cinta de autor.
La historia cuenta la vida de una adolescente que vive en la periferia de Paris. Con la intención de cambiar su vida, junto a su mejor amiga, comienza a seguir a una delincuente, lo que la lleva a meterse en el mundo de las drogas y todo lo que hay alrededor de él. Cinta que se distancia del sueño americano para mostrar lo complejo que es aspirar a un estado de bienestar cuando la vida y la condición en la que se vive, no da pie a oportunidades.
A partir de esta historia, te proponemos realices su análisis, para lo cual te proponer atender los siguientes criterios:
Desde EMINUS 4.0 da inicio a tu participación en este ejercicio.
En esta ocasión volvemos al blog para que hagas tu comentario, abordando en el film: su contexto, sus personajes, sus dilemas, sus conflictos.
Aprovecha para referir algunas otras directoras que hoy pueden ser referencias para entender el cine de autor, donde menciones a alguna de su obra y las razones porqué son importantes dentro de la política del cine de autor.
