El aura.
Fabián Bielinsky. 2005.

Por: Gerardo García Caamaño.

·   Fase previa:

El aura es una película argentina de 2005 dirigida por Fabián Bielinsky. Fabián venía de grabar su primera cinta llamada “Nueve reinas” y tanto Bielinsky como Ricardo Darín (Esteban en “El Aura”), en el papel protagónico, fueron calurosamente aplaudidos por la crítica.

Para ese entonces, ya tenía guion para su segundo largometraje, también protagonizado por Darín. El aura se rodó en 2004; el guion, más ajustado que el precedente, desarrollaba los temas clásicos del cine negro, siguiendo a un taxidermista con gran memoria espacial, plena de obsesiones morbosas.

Para la población argentina fue una película inédita, pues las producciones fílmicas en ese país no eran tan buenas e interesantes para ellos, sin embargo, Nueve reinas, El aura y sobre todo Bielinsky le permitieron al pueblo argentino adentrarse a un nuevo mundo.

También, a los críticos. Pablo Scholz, del diario Clarín, la calificó “excelente”. Diego Batlle del diario La Nación también dio la máxima calificación a “El aura”, elogiando “una actuación prodigiosa” por parte de Ricardo Darín. También Horacio Bernades del diario Página/12 dio al film la calificación de 10/10 puntos.

La película se estrenó el 15 de septiembre del 2005, en 54 cines, siendo distribuida por Buena Vista International. Durante su recorrido recibió 584.150 espectadores en Argentina, con una recaudación de $1,458,848 dólares, siendo un éxito de taquilla y manteniéndose en el primer puesto del Top 10 en sus primeras dos semanas. Tiene una recaudación mundial de $1,785, 981 dólares.

AVH editó el VHS y DVD de la película en septiembre del 2005, con audio español 5.1 y 2.0 y subtítulos en portugués y español.

El 12 de junio del 2006, AVH lanzó la edición especial de dos discos, incluyendo como extras los tráileres de cine, TV spots, La creación de El Aura, Storyboards, Escenas eliminadas y extendidas, Ficha artística, Ficha técnica, Sinopsis, Filmografías y Bocetos de escenografía.

 

Fase descriptiva:

Con un aire de thriller psicológico, Bielinsky se toma su tiempo para construir un personaje misterioso y callado, espina dorsal de la película: un hombre honesto y de pocas palabras que, de una forma extraña, vive obsesionado con el delito.

El aura narra en primera persona el alucinado viaje de Esteban (Ricardo Darín), un taxidermista parco e introvertido con una extraña obsesión para un hombre honesto: durante los últimos años, una y otra vez ha planeado e imaginado los asaltos más perfectos y exitosos, siempre a fuerza de una inteligencia que, según él, lo diferencia de lo que pasa allí afuera, la lucha de "tontos contra tontos": policías y ladrones. Él podría hacerlo mejor que nadie.

Alejado de su hábitat urbano y llevado a los lejanos bosques del sur a compartir una jornada de caza, un trágico accidente lo conecta inesperadamente con la posibilidad de ejecutar un verdadero delito: el asalto a un camión blindado que lleva las ganancias de un casino de la zona. Movido primero por una morbosa curiosidad, y más tarde por una inexorable corriente de acontecimientos, el taxidermista se verá proyectado hacia sus fantasías, armando pieza a pieza un rompecabezas que lo irá encerrando sin remedio.

 

·       Fase descriptiva-interpretativa:

Bielinsky narra una historia amparada en dos esferas contrapuestas: el mundo mental y el entorno físico de Esteban. En el primero tal que una consagración platónica al ideal del pensamiento humano, todos los planes encajan, tienen su sentido y tempo correcto, llegando a una resolución armónica, sensata y racional; el segundo mundo es caótico, responde a las coordenadas ajenas de un entorno que Esteban no puede controlar.

El abandono de su mujer, su incapacidad para matar a un ciervo, el deseo hacia la hospedera, su necesidad de huir de la monotonía que le ha disecado en vida le lleva a cruzar la frontera hacia un territorio desconocido. De alguna manera Esteban escoge el reino del “aura” en perjuicio del laboratorio de taxidermia. En vez de interactuar con sujetos ya muertos, se inmiscuye en la vida y la muerte de los vivos. Es en ese momento cuando el personaje de Ricardo Darín se interna en la puerta abierta hacia sus mente, y también hacia las emociones que hasta entonces estaban reprimidas. Siente la libertad del riesgo, lejos de la ciudad, de su entorno inmediato, allí donde es un recién llegado y un desconocido entre desconocidos, el bosque, un no-espacio ilimitado.

El hecho de que toda la acción se precipite a la tragedia a causa de un despiste de Esteban acentúa su petulancia ya presumida al principio de la película; asimismo enfrenta la perfección mental ante la imperfección multifacética del mundo físico, enfrentando no solo los datos fríos necesarios para solventar un rompecabezas, sino incluyendo el universo de intereses ardientes y circunstancias vaporosas que acompañan a cada individuo.

A mi manera de ver, la historia subraya lo impredecible del comportamiento humano, no solo del protagonista sino de todos los participantes en el relato. Amén del capricho contenido en las decisiones inesperadas de un fatum enclavado en el centro mismo del complot: que Esteban pase por alto una información clave, que el guarda caiga víctima de un asalto fallido, que los sicarios sean demasiado avariciosos, que el cuñado sea tan estúpido como para creerlos a todos, que la mujer no sea imbécil y se huela el problema en el que podían estar metidos, que el verdadero cerebro de la operación se interponga entre un ciervo y un cazador nervioso e inexperto. Todo lo que llega desde fuera del plan lo modifica, lo empuja y sacude, corrigiendo el itinerario planeado por Esteban, convirtiendo la vida de todos y cada uno de los agentes interventores en un puro especular sin freno. En un sistema absolutamente abierto.

 

·       Fase interpretativa:

Al final del filme se abre un abanico de posibilidades de distintas maneras de mirar e interpretar de pensar y re significar. Después de todo lo sucedido se vuelve al principio, al día miércoles, al taller del taxidermista con la misma música y estética del concierto para cuerdas a la rústica de Vivaldi, lo vemos a él vestido de otra manera y trabajando sobre un animal distinto, sin su mujer en la casa. La cámara recorre el espacio y vemos también la osamenta del gusto de un colorado y la mirada cómplice del perro de Dietrich, el final es reticente, como lo es también el personaje que inunda la película entera en esa reticencia. Podemos encontrar miles de aristas de lecturas ocultas detrás número imaginario el busto del siervo y la mirada inquietante del perro son indicios de que todo lo que vimos no fue sólo una proyección del protagonista, pero nada nos indica que no puedan haber estado siempre ahí. La película es un círculo que no termina nunca de cerrar, un círculo permanentemente abierto o un espiral infinito, es el abismo de un hombre su pensamiento su imaginación y su existencia interrumpida.

 EL AURA

La cinta fue estrenada en el año 2005 por
el director Fabián Bielinski (Nueve Reinas, 2000 y Criminales, 2004) filmada en distintas locaciones de Argentina como; Babiloche, Comodoro Rivadavia, Junín de los Andes y Buenos Aires. Su director, guionista y creador Fabián, ya tenía una idea del desarrollo de la película desde hace 20 años antes de que ésta empezara su producción, teniendo 3 géneros distintos para el camino que llevaría este; uno sería un policial clásico, una comedia negra y thriller psicológico.

Fabián relata de esta forma su interés e intención de representar la tentación del hombre honesto con el crimen, fue la historia quien recibió críticas ampliamente positivas en los medios escritos de Buenos Aires, destacándola de excelente, elogiando a Fabián y Ricardo Darín (el taxidermista), arrasando en los Premios Cóndor de Plata 2006, donde se llevó seis estatuillas: mejor película, director, guion original, actor, fotografía y sonido.

La narrativa te presenta a un taxidermista que sufre de epilepsia pero con un interés peculiar sobre cómo realizar el robo perfecto debido a su inteligencia, memoria fotográfica, concentración y observación, cuando se le presenta la oportunidad de llevar a cabo un golpe, decide aventurarse a situaciones peligrosas con tal de demostrarse a sí mismo que es capaz de realizar un plan sin errores.

Esta cinta tiene una fotografía de colores fríos, un derivado a la personalidad y desarrollo del personaje, donde al pasar de los días lo vemos mintiendo y adentrandose en un mundo que desconoce a base de falacias y tornándose más vulnerable al peligro inmimente. 

Los personajes desenvuelven un papel importante al protagonista ya que todos le guían involuntariamente al altercado y conflicto principal, incluso a decidirse por darse valor y empezar su proceso de criminal, desde su esposa al haberlo dejado finalmente, hasta su amigo proponiéndolo el ir a cazar. Los acontecimientos se ven preparados narrativamente puesto que el mismo espectador puede dejarse incluenciar por la confianza que se tiene el taxidermista y pensando que existe una posibilidad de lograr su objetivo con éxito.

Así como el uso de cortes y planos consecutivos cuando el protagonista está a punto de tener uno de sus ataques y caer desmayado, una percepción que cuando suced después de haberla visto por 1era vez, entendemos que el personaje está por caer inconciente y no despertar hasata horas o minutos después. Las locaciones en su mayoría alrededores naturales entre los bosques y te brindan tensión.

Personalmente me intrigó mucho cómo muchos de nosotros llegamos a tener la misma duda de cómo realizar un atraco de estas magnitudes, siendo inexpertos en cualquier ambito pero nos gusta imaginar cómo sería si tuvieramos la oportunidad, aquí te responden esa pregunta desde las manos de un verdadero fanático, más no experto, eso es lo que a mí me demostró, puedes ser la persona más inteligente, pero eso no te hace perfecto, los errores son naturales por lo que no importa cuanto repases un plan, con un detalle que falle pone en riesgo toda la misión.

Tristan Yared Oropeza Jiménez 

 El Aura 

                Por Kevin Alexander Araujo Schettino 

        El aura es una película dirigida por Fabián Bielinsky, director argentino que, tras su repentina muerte, solo logro realizar dos películas espectaculares, Nueve Reinas y El aura, ambas protagonizadas por Ricardo Darín.

    El Aura es una película con un protagonista muy particular, una persona sin identidad que hasta en su medalla no tiene un nombre si no “Paciente”, Bielinsky nos da a entender que podríamos ser cualquiera de nosotros, “el taxidermista” es una persona sin nombre, sin amigos, nos muestran que tiene una pareja sin embargo lo deja, con epilepsia, con un gusto por los temas policiacos, frío, calculador y sin ninguna meta en particular.

    Se nos muestra como una persona moralmente buena, pero con ciertos pensamientos retorcidos, al usar su inteligencia espacial, para planificar robos que el sabe que no va a llevar a cabo, pero no deja de tener cierta idea sobre la posibilidad de realizarlo.

    Un viaje de los pensamientos donde una persona ve la posibilidad de realizar algo que siempre quiso realizar, un plan perfecto donde no puede fallar nada, pero ¿Qué es lo que motiva a nuestro personaje a realizar este robo? ¿Únicamente el poder de hacerlo, saber que su estrategia funciono, un motín de más de 2 millones de pesos argentinos o dejar la rutina en la que vive el taxidermista?

    Al principio de la película notamos a una persona solitaria, concentrada en sus asuntos sin intención real de convivir con cualquier persona, cuando habla con su amigo sobre como podrían realizar un posible robo al museo vemos que tiene memoria fotográfica, dentro de su imaginario nos muestran como es que se llevaría a cabo todo el robo, con cada mínimo detalle resuelto para que en cuestión de un minuto se haga todo el atraco sin ningún herido y ningún preso.

    Al sufrir el abandono de su esposa, podemos notar, gracias al gran trabajo de edición, al personaje interpretado por Darín desecho; que no cambia de posición hasta llegar al sur de Argentina donde ira con su conocido a cazar. Tras la amenaza de su amigo que no podría cazar a ningún animal, por accidente o casualidad mata a Dietrich dueño de las cabañas, persona que descubre tiene un plan perfecto para un robo.

    Podemos notar al taxidermista que poco a poco se convence de realizar el plan, un proyecto que conoce solo por lo que tenía escrito Dietrich en su libreta, con una pésima habilidad social, pero una gran forma para mentir logra convencer a todas las personas que estaban alistadas para el atraco que el asalto al casino se va a lograr.

    Tras el intento fallido por un detalle que dejo escapar, de manera improvisada logran robar el camión y lo llevan a la cabaña oculta de Dietrich, sin embargo, allí sufre la traición de dos de sus compañeros para el atraco donde lo intentan matar, sin embargo, no logran el cometido y el logra salir vivo, sin posibilidad de abrir la caja del dinero regresa a su casa a vivir la misma vida que había tenido siempre.

    Al final del filme nos deja un final con ciertas dudas, realmente el taxidermista vivió eso, podemos notar algunas acciones donde nos hace dudar lo que paso, en especifico la carta que deja su esposa, mujer que nunca vemos y realmente tampoco vemos que esta escrito en la carta, es una forma similar en la que Diana se despide de su hermano, una carta que no conocemos solo la ve por fuera y la deja sobre la mesa.

    Lo único por lo que podemos estar conscientes de que realmente sucedió es la cabeza del venado y el perro, pero al ser un taxidermista es muy posible que tenga partes de animales por todo su taller y el perro nada nos detiene de pensar que fue suyo desde el principio de la película.

    Me deja la duda si lo que vivió solo fue una ilusión misma que vimos en el asalto al museo, pero en esta ocasión cuando el tuvo un ataque de epilepsia, por lo que fue un pensamiento tan largo y preciso.

    Una película que nos permite analizarla desde tantas formas como desde tantos espectadores la vean y ellos mismos saquen sus propias conclusiones de este filme, sin dudarlo un gran thriller con una imagen oscura lleno de bosque que no nos permite ver más allá de eso, mismo que el mismo personaje que no nos permite mostrarnos más de él.

Del cine argentino

Quizá la cinematografía latinoamericana más exitosa y de fama mundial, sea la argentina, virtud de la cantidad de cintas que, en los últimos años, han sido merecedoras de premios internacionales: del Oscar a la Mejor Película en habla inglesa, del Globo de Oro al Oso de Berlín o las Palmas de Oro y el León de Oro, son muchas las cintas de aquel país que han sido aclamadas por su manufactura y el tratamiento que suelen darle a los temas de los que hablan.

Desde aquellos días cuando La tregua ( Renán, 1974), fuera nominada al Oscar como  mejor película en lengua no inglesa, los amantes del cine han visto desfilar, 6 nominaciones más a esta famosa estatuilla, entre las cuales ha habido 2 ganadoras: Camina (Bemberg, 1985), La historia oficial (Puenzo, 2985. Ganadora), Tango, no me dejes nunca (Saura, 1998), El hijo de la novia (Campanella, 2001), El secreto de tus ojos (Campanella, 2009. Ganadora) y Relatos salvajes (Szifrón, 2014); todas ellas cintas que evocan y provocan una mirada reflexiva sobre la condición humana, vista a la luz de múltiples miradas, que dejan entrever los grados de complejidad de la vida. 

En el contexto del reconocimiento a la calidad de esta cinematografía, se te propone ver la película El aura (Bielincky, 2005), thriller que narra la historia de un taxidermita, muy dado a crear delitos imaginarios que nunca se concretan, resultado de una frustrada vida en todos los órdenes de su existencia.

Su director (Nueve reinas, 2000), quien muriera a muy temprana edad y solo dejar para la posteridad dos películas, logran con El aura, una cinta que explora en los estados de ánimo de un sujeto sin proyección y al borde de la desesperación, con el manejo de un tempo fílmico como pocas veces se ve en la cinematografía latinoamericana.

A partir de ella se te propone los siguientes criterios:

1. Tomar la propuesta metodológica para un análisis cinematográfico de Francisco Javier Gómez Tarín, que te permita desarrollar tu análisis a partir de la estructura morfológica que propone para el análisis interpretativo de la obra, por lo que debes tomar como base los puntos que él establece:
• Fase previa: documentarte sobre la producción y el contexto histórico del estreno, que te permita situar el impacto que en su momento pudo tener la cinta.
• Fase descriptiva: segmentación y descripción de la sinopsis de la película, destacando algún apunte técnico.
• Fase descriptiva-interpretativa: exploración y análisis de elementos narrativos y los recursos de los que se vale para su puesta en escena. 
• Fase interpretativa: tu análisis personal sobre lo visto, descubierto, intuido y concluido.
2. La actividad es para que ustedes sean autores de análisis en extenso, por lo tanto no deben participar como comentarista, sino abrir una entrada para la realización de su trabajo. 
3. El texto debe ser acompañado de recursos hipertextuales, como son la liga a referencias de la obra, así como elementos para ilustrar el comentario. 
4. La extensión deberá ser de un mínimo de 500 palabras y un máximo de 800.
5. Se les informa que quienes no han enviado su correo comercial, no se les ha podido dar de alta como autores, por lo tanto tendrán dificultades para la realización de esta actividad.

Un héroe

El cine Iraní inició, igual que otras cinematografías, inicio su vida a principios del siglo XX, apenas un puñado después de la invención que del cinematógrafo hicieran los hermanos lumieres, llegando a ser en el oriente medio, un cine de referencia por el nivel de calidad que -al cabo del tiempo-, alcanzó; atributo que lo llevó a ser reconocido en el mundo entero, siendo merecedor a un sin fin de realizados. 

Si algo puede destacarse de esa cinematografía en la forma en que el espectador logra implicarse en sus historias, gracias al recursos que juega en sus filmes, el fuera de campo; así también la preocupación que se tiene por la condición femenina en muchas de sus historias, así como la forma en que los niños ocupan un lugar privilegiado para ver desde sus ojos, esos mundos adultos en que habitan.

Entre los directores más reconocidos, se pueden destacar nombres como los de: Abbas Kiarostami (1940-2016), Jafar Panahi (1960- ), Majarne Satrapi y Asghar Faradhi (1972- ), éste último, quizá el director iraní más laureado en el mundo.

Es justo del director de obras imprescindibles como La separación (2011), El cliente (2016), Todos lo saben (2016), que se te propone ver A Hero (2021), ganadora del Grand Prix, en el festival de Cannes. Cinta en la que se relata la historia de Rahim (Amir Jadidi), un hombre que se encuentra en prisión tas su imposibilidad para pagar una deuda económica, quien aprovecha un par de días que se encuentra de permito, para hablar y convencer a su acreedor de que le disculpe parte de la deuda; sin embargo, el destino se retuerce y las cosas no salen como él quisiera. 

A partir de esta cinta, se te propone realices tu comentario, a partir de tus propias decisiones, en donde pueden reconocerse la estructura formal de un análisis, en el que también se muestre un método y una perspectiva desde la cual abordar el texto, a partir de las teorías de las que se ha hablado en aula. 

La extensión del comentario podrá ser de hasta 750 palabras

Retrato de una mujer en llamas

El avance que ha observado el reconocimiento al cine hecho por mujeres, ha permitido acercarse a una cierta mirada que suele distanciarse de aquellos cánones que caracterizan las narrativas de un cine hecho por hombres. Y si bien es cierto desde los orígenes del cine, es posible saber de la participación de las mujeres en la industria, la ausencia de reconocimiento o el mismo olvido, han impedido situar el valor de un cine crítico, reflexivo y propositivo, por la perspectiva desde la cual se manufacturan sus historias. 

Así, por ejemplo, una cineasta como Lotte Reiniger (1899-1991), aun cuando fue la precursora del cine de animación, poco se le menciona en los anales de la historia fílmica. Aun con ello, los historiadores señalan que con su cinta Las aventuras del príncipe Achmed (1926), sentó las bases de este género cinematográfico, además de ser la impulsora de ciertos recursos técnicos para la realización de este cine. En México, directoras como las hermanas Elhers, Mimí Derba y Matilde Landeta, abrieron plaza en la industria, para que después de ellas, otras cineastas nacionales firmaran algunas de las obras cinematográficas más representativas del cine hecho por las mujeres.

Es en reconocimiento y ante la necesidad de acercarse a este cine, que se ha tomado la iniciativa, para proponerte ver la película Retrato de una mujer en llamas (Sciamm, 2019), cinta francesa en la que se recrea una historia de amor que hace evidente el papel que juega la mirada en la manifestación y la materialización de un objeto amoroso. 

Historia ambientada en la inglaterra del siglo XVIII, narra la historia de una pintora ( Noémie Merlant) y la joven Héloïse (Adél Haenel), una modelo a retratar en vísperas de su matrimonio con un extranjero que no conoce a quien pretende, es la ocasión para explorar en la mirada y el papel que juega un registro visual para recrear, a través de la memoria y la imaginación, un dibujo que explora en las posibilidades de la belleza como encarnación del anhelo, el deseo, la pasión, lo amoroso. 

A partir de esta película, y con base en los principios teóricos del modelo postfeminista y queer, se te propone un análisis en base a los siguientes criterios:

1. Haz un breve apunte de la historia del feminismo, para poner contextualizar la historia, aun con el momento histórico en que se recrea.
2. Describe brevemente la sinopsis.
3. Luego céntrate en la historia y sus dilemas, para asumir una mirada reflexiva que te permita destacar los elementos narrativos y técnicos que emplea la directora para construir ese universo.
4. A continuación, toma una cierta distancia, y habla del perfil de las protagonistas.
5. Hacia el desenlace, habla del valor de la historia desde el punto de vista del papel que juega la historia y la sensibilidad de la directora para tratar el tema que aborda.
6. Al cierre, asume una valoración sobre los aportes de la historia para la comprensión de la condición femenina, desde las posibilidades de lo amoroso, más allá de las convenciones sociales. 

El texto debe tener una extensión de 700 palabras y, sin mencionar la estructura propuesta, debe reconocerse que se han atendido cada uno de los criterios.

El hombre de Mimbre

El cine de culto agrupa a aquellas películas que suelen ser consagradas por un grupo de espectadores que han encontrado en algún filme una serie de elementos que las convierten en un atractivo cultural. Regularmente son producciones cinematográficas que -no necesariamente- se caracterizan por su valor artístico, sino por mostrar o contar con elementos narrativos que resultan extraordinarios en lo político, ideológico o cultural. 

Y aun cuando puedan llegar a ser difíciles de definir, si es verdad que son relativamente fáciles de distinguir. En las llamadas cult movies, pueden encontrarse películas de cualquier género: de terror, de acción, musicales, entre otros, pues sin importar su clasificación, hay algunas cintas que terminan por pasar a formar parte de un territorio de consagración en donde intervienen los propios espectadores.

Entre este tipo de películas, podemos encontrar: La parada de los monstruos (Browning, 2932), Plan 9 del espacio exterior (Woods, 1952) Pink Flamingos (Water, 1972), Braindead: tu mamá se comió a mi perro (Kackson, 1992), Donnie Darko (Kelly, 2001), entre otras cintas muy recomendables.

A partir de estas consideraciones, es que se ha decidido ver El hombre de mimbre (Hardy, 1973, en la que se narra la historia de un policía que se apersona en una isla inglesa para investigar la desaparición de un ciudadano en extrañas circunstancias; pesquisa que lo conduce hasta un culto pagano que prácticas algunos isleños. 

Thriller psicológico en el que el horror va de la mano de una serie de apuntes sobre mitos y  creencias alrededor de las culturas originales, donde su director se da tiempo también de abordar aspectos sobre la sexualidad y la condición de género. 

The wicker man Es una cinta que ha pasado, es una cinta que ha pasado a formar parte del cine de culto. 

Para esta actividad, en esta ocasión volvemos a blog del curso, para que tomando como punto de referencia una estructura básica en el análisis de una películ (introducción, desarrollo, conclusión y epílogo), tú mismo decidas sobre qué quieres centrar tu atención.

El texto debe tener una extensión de 700 palabras como máximo. 

Perfect blue, o el anime como obra maestra

El cine animado hecho en Japón o anime, es una estilo y técnica artística para la realización de películas animadas que encuentra sus orígenes en los inicios del Siglo XX. Si bien es cierto el trazado de sus imágenes ya tenía en el manga un antecedente y fórmula muy depurada, las posibilidades que le dio el arte cinematográfico permitió que la gente -con una trayectoria importante en la industria de la historieta-, diera el salto al séptimo arte para encontrar en el cine los recursos tecnológicos que favorecieron la animación y, con ello, la búsqueda y definición de un estilo que parte de las fórmulas occidentales, pero al cabo del tiempo, desarrollaría el estilo que caracteriza a este arte e industria nipona.

Pronto vendrían el desarrollo de cortometrajes animados, lo que terminaría por dar la posibilidad para su exportación a occidente. De allí, el salto a un contexto internacional vendría de la mano con la constitución de productoras dedicadas exclusivamente a la producción del anime. 

Sin embargo, sería ya avanzado el siglo XX cuando habría una explosión comercial y cultural de la industria que impactaría a la industria del entretenimiento en todo el mundo, con especial presencia en exhibiciones, muestras y festivales internacionales de cine, los cuales se sentirían atraídos por una propuesta artística que atrajo al público interno para después hacerlo con el externo. 

Una de las primeras experiencias internacionales que colocó al anime en un grado de consagración, fue Akira (Otomo, 1988), una historia futurista que se alimenta del manga y algunas de las fórmulas del cine norteamericano; a partir de allí títulos y realizadores fueron ganando fama internacional y consagrándose como los representantes de una industria en constante desarrollo.

Llegaría con ese consagración la cinta Perfect blue (Kon, 1997) en la que se narra los avatares de una cantante de un grupo musical que, tras el fracaso en las ventas de sus discos, decide probar como solista, despojándose de aquella imagen de niña que la distinguía. Sin embargo, el resultado dista de ser lo esperado, pues el despojo de una identidad primaria la coloca en un estado de vulnerabilidad como artista y ser humano tiene, al reconocer que la vida misma queda en vilo y con ello los dilemas, las tensiones, las contradicciones propias de una jovenes que ve trastocada, sacudida y desdibujada su propia intimidad y condición humana, al verse acechada por el papel que comienzan a jugar las tecnologías.

En ese contexto, te invitamos a que veas esta película y te permitas realizar la actividad, misma que debe apegarse a los siguientes criterios:

a) Consulta en EMINUS 4.0 las fuentes que se te comparten para conocer más sobre esta industria y tu participación en este ejercicio analítico más informado.

b) Luego ve la película y participa del debate que se ha programado en el foro de EMINUS, en donde tendrá ocasión de ser parte de una mesa de análisis virtual.

c) Como complemento a este ejercicio, se te invita a elaborar un cartel en donde abordes los siguientes aspectos:

    1) Breve reseña del anime.

    2) Sinopsis de la película.

    3) Análisis de la trama en donde presentes datos relacionados con el autor: trayectoria y otras películas, información que podrá aparecer en el contexto de los diversos argumentos que sostengas a lo largo de este apartado. 

    4) Conclusiones del análisis, en donde destaques aspectos psicológicos del personajes principal, apuntes del contexto, como del tipo de narrativa empleado, para cerrar con un apunte que compare este estilo de animación con otros que conozcas. 

d) El puntaje a alcanzar estará vinculado a la calidad de tu participación y el cumplimiento delos criterios que se establezcan.

Para la realización de tu cartel, puedes emplear Canva. Aquí su liga.

El cisne negro o el desdoblamiento del alma

Darren Aronofsky (1969-  ), es un director norteamericano que desde finales de los 90, con su película Pi, el orden del caos (1968), ha logrado construir una trayectoria que suele moverse en los márgenes del mainstream predominante. Esta que fuera su primera película, convocó la atención de propios y extraños por una trama que aprovechó la escala de grises para experimentar con una puesta en escena que pronto lo colocó en las pasarelas de los festivales más importantes.

Vendrían Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008) y El cisne negro (2010), para consagrar una carrera cinematográfico en la que alcanza un grado de madurez y reconocimiento por la forma en que aquella cinta le permitiera -una vez más- el recorrido por los festivales de cine, pero en esta ocasión con la gloria de hacerse de algunos de los principales premios: Globos de Oro y un par de Oscar, además de premios otorgados por los críticos de cine en Estados Unidos, incluyendo candidaturas a los premios BAFTA.

El cisne negro (Black Swan), es un drama psicológico con Natalie Portman (El perfecto asesino, 1994), A cualquier otro lugar (1999), Con V de Vendetta (2005), Jackie (2006), entre otros filmes, interpreta a una bailarina apasionada por la danza que está en el proceso de montaje de la obra El lago de los cisne negro de Tchaikovsky, pero tiene que lidiar con su acosadora madre; oportunidad que le permite al director aprovechar el universo dancístico y los grados de exigencia que la construcción de un personaje demanda en este arte, para mostrar la dualidad de la propia condición humana de un personaje que se debate entre ella y su yo mismo. 

En esta ocasión, se te propone ver esta película, para lo cual se establecen los siguientes criterios:

1. Describir la trama de la historia en tus propias palabras. 
2. Hecho esto, recupera de la lectura que aquí se te propone, para que definas el método que consideres es el más recomendable para el abordaje de esta película, explicando brevemente el porqué así lo consideras y haz una cita textual de la fuente en donde se hable de él. 
3. A partir de allí, decide tú mismo la forma en que abordaras la película, en donde puedas destacar aquellos elementos narrativos, técnicos que se vinculen al tipo de análisis que has seleccionado y evidencia de lo que la lectura plantea al respecto de ese método.
4. En esta ocasión, el formato de entrega cambia y lo debes subir directamente a la plataforma de EMINUS 4.0 en una versión PDF.

Un hombre serio o los dilemas de un tipo judío

Desde el estreno de Educando Arizona (Arizona Baby, Cohen, 1987), los hermanos Joel y Ethan Cohen han demostrado una manera especial de contar problemáticas humanas a través de las posibilidades que les da el cine, sus géneros y sus convenciones narrativas. 

Si bien ambos tuvieron formas diferentes de llegar a la industria cinematográfica (Joel porque estudió cine y en sus inicios tuvo ocasión de asistir en la edición de algunas películas de terror, como por ejemplo Posesión infernal (Rami, 1981), el segundo, Ethan, quien estudiara Filosofía en la Universidad de Princeton, lo hizo con el primer proyecto fílmico de esta dupla: Sangre fácil (Cohen, 1984), donde fungió como productor), estos dos hermanos han oxigenado al cine desde su llegada.

A partir de aquella cinta, los hermanos Cohen, como son conocidos, han experimentado en todos los géneros cinematográficos: del thriller psicológico en Barton Fink (1991) al de gangsters con Muerte entre las flores (1994), pasando por la comedia negra al estilo El gran Libowtky (1998) hasta el extraño drama desesperanzador vivido en Sin lugar para los débiles (2007), se tiene un ramillete de filmes, algunos de los cuales han recibido reconocimientos en festivales internacionales, incluso el Oscar para el caso de la última mencionada, con 3 estatuillas, incluida Mejor Película y Mejor Director. 

Es justo por estas y otras razones, que te proponemos ver la película Un hombre serio (2009), en donde los hermanos Cohen se dan la oportunidad de reflexionar sobre la condición del ser judío. En ella, un profesor universitario en los años 60 ve la forma en cómo su vida se va derrumbando poco a poco: abandonado y con un hermano desempleado al que acoge en su casa, tiene que acudir a un grupo de rabinos que le apoyen en la reorientación de su existencia; dilemas que permiten reflexionar sobre la vida y el valor o sentido que la religión puede tener en las personas.

En esta ocasión y a partir de lo que hemos visto en la última clases, sobre los recursos de significación, se te pide cumplir con esta actividad, atendiendo los siguientes criterios:

1. En el inicio traza los elementos básicos que permitan situar el contexto y la cultura donde se ubica la Trama.
2. A continuación, centra tu mirada en la vida del protagonista y sus dilemas para que describas en tus palabras el corazón argumental de la trama.
3. En el desarrollo de este apartado, aprovecha para apuntar sobre 3 símbolos y 2 metáforas que puedas descubrir a lo largo de la película, para que la analices y digas qué es lo que piensas puede significar en el contexto de la cinta. 

Para la participación individual.

El estudiante que sea el primero en participar en el blog, es el que definirá la dinámica de participación, pues el siguiente tiene que leer el comentario, para hacer alguna observación sobre lo que ha dicho su compañero, para que así hasta llegar al último de los participantes, el primero se de la oportunidad de cerrar haciendo un comentario final sobre todo lo que se ha dicho. 

El perfecto asesino

El cine de acción uno de los subgéneros cinematográficos que encuentra su raíz en la ficción y que más atraen a las grandes audiencias del llamado Séptimo Arte, esto por el tipo de historias y el tratamiento que suele darle a sus propuestas, donde la adrenalina define un cierto toque que se vincula a la forma en que, el tiempo y el ritmo fílmico, va construyendo a partir del tipo de arquitectura propia de este cine, como también del toque que, el mismo director, le puede dar a su puesta en escena.

Desde aquellas películas que se atrevieron a salir a exteriores para que las calles citadinas fueran una suerte de personaje privilegiado del espacio geográfico que se construye en el cine, donde las acrobacias coreografiadas, los disparos más allá de lo razonable, los moquetazos puestos al servicio de una estilizada violencia, el cine de acción firmó parte de las fórmulas que lo caracterizan.

En ese contexto se te invita a ver la película que el grupo ha propuesto: El perfecto asesino (Besson, 1994), una cinta francesa que narra la historia de un asesino a sueldo, Leon interpretado por Jean Reno, quien vive un encuentro obligado  con Mathilda (Natalie Portman), una niña que ha visto cómo su padre, un narcotraficante puesto al servicio de Norman Stansfield (Gary Oldman) un policía corrupto, es masacrada por él y sus secuaces; iniciando una relación que le permite a este asesino reinventarse a sí mismo a partir de la relación extraordinaria que tiene con esta infante. 

Te proponemos que veas la película y que en tu comentario atiendas a las siguientes consideraciones:

• Da la sinopsis general de la película.
• Asume una mirada crítica para destacar aquellos aspectos técnicos vinculados al ritmo y al tiempo cinematográfico que en le cinta se manejan y describe la forma en que son empleados en el contexto de la trama.
• Cierra tu comentario con aquello que te parezca destacable de la historia.
• El comentario no debe ser mayor a 650 palabras.